Fundación de Arte contemporáneo * fac * Montevideo

LA IMAGEN EN LLAMAS - ANGELA LOPEZ

2012-01-13T09:18:00.000-03:00

LABORATOIRE PARTICIPATIF DE MNESIS /Rencontre avec Angela Lopez Ruiz

2012-01-12T11:01:00.002-03:00

Laboratorio Presentación del laboratorio “micro-utopía”

Presentación del workshop “micro-utopía” y del laboratorio de mensis que se realizará en Ginebra dentro de la investigación realizada en Uruguay “Arqueología de la imagen”
Charla con la artista el jueves 12 de enero de 7-8pm
Durante su residencia a Utopiana se realizaran sesiones abiertas y un workshop sobre memoria afectiva y territorialidad. El proyecto se basa en la investigación realizada por la artista en la Fundación de Arte Contemporáneo en Montevideo.
Ángela López Ruiz presentará el contenido y el modus operandi del laboratorio « micro-utopia », así como su metodología , y dará una charla sobre su investigación « arqueología de la imagen »
El laboratorio de mnesis se concibe como un espacio de subversión de la historia oficial incluyendo en esto nuestro propio presente, es también un nodo de resistencia donde se reafirma la identidad propia y de este modo la capacidad de acción colectiva.
Dentro de la residencia se realizara el workshop Micro Utopía, que será un espacio de análisis referido al rescate de la memoria a través de archivos familiares. Durante el mismo se realizaran ejercicios de mnesis a través del rescate de archivos visuales de los participantes tales como fotografías, films (videos, cintas, etc) y documentos escritos.
Este proyecto es un trabajo en proceso que conceptualiza el archivo como un espacio político, generador de lazos y de nodos de pensamiento, sus resultados son difíciles de indexar a corto plazo. Es por eso que se propone culminar con una muestra del material a modo de live performance, instalación o lectura colectiva.
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Graduada de la Escuela Nacional de Bellas Artes, especializada en Historia de la
Imagen en Movimiento. Es artista investigadora y curadora. Desde el año 2006,
lleva a cabo su investigación "Arqueología de la Imagen", en la Fundación de
Arte Contemporáneo de Montevideo donde dirige el programa de formación permanente . Actualmente trabaja en programas de inclusión social vinculados a OLPC (One laptop per child) y como docente en la tecnicatura de arte-curadoria TAC de Montevideo.
Expone en su país y el extranjero desde 1999.

Fechas :

Jueves 12 de enero a 19 horas / Charla con Angela Lopez Ruiz
Luego vernissage de plataforma Paisitos (Suiza-Uruguay) a cargo de la artista Giulia Cilla.

Dentro del proyecto de Giulia Cilla, Ángela López Ruiz propone unas Sesiones abiertas sobre el contexto artístico en Uruguay. En las mismas se revisitara la obra de referentes históricos recientes así como también contemporáneos que hacen a la cultura local.

Lunes 23, martes 24 y miércoles 25 de enero de 14h a 16h
Viernes 13 y 20 de enero de 19h a 21h y
Sabado 14 y 21 de enero de 14h a 17h.

DONDE
Utopiana, avenu des Eidguenots 21, 1203 Genève
Bus 7 et 9, arrêt Camille Martin

TAC/ Tecnicatura en Arte y Curaduría

2011-12-20T10:17:00.003-03:00

www.tac.com.uy

La Tecnicatura en Arte y Curaduría es una iniciativa que suma a la composición del campo del arte la figura del Curador. A partir de un sistema que profesionaliza la dinámica del arte regional nace como una propuesta a la creciente demanda de personas especializadas en el campo del arte.

La iniciativa, gestada dentro de la fundación de arte contemporáneo (organización reconocida por el Ministerio de Educación y Cultura que nuclea a una veintena de artistas cuya producción tiene énfasis en la producción y gestión de arte y pensamiento contemporáneo), se encuentra favorecida a la hora de contar con los profesores más idóneos en las temáticas a tratar en la carrera.

Todos los profesores trabajan activamente en el campo del arte, siendo figuras reconocidas en sus respectivas especialidades. La Tecnicatura en Arte y Curaduría nace como una respuesta a la creciente demanda de personas especializadas en el campo del arte; ya sean analistas, curadores, críticos o gestores.

Introduccion y experimentacion en B&N / Auspician Mides e Inju

2011-11-28T20:32:00.000-03:00

Residencia en Tránsito / Convocatoria 2012 / Planta Alta - fac- Jaca- Casa13

2011-11-28T16:51:00.001-03:00

2011-11-28T16:31:00.000-03:00

CONTRA TIEMPO- WORKSHOP DE CREACIÓN DOCUMENTAL A CARGO DE PILAR MONSELL

2011-10-21T10:18:00.003-03:00

Workshop de creación de cine y vídeo documental para afrontar de modo práctico algunos de los desafíos de la práctica de filmación de lo real. La realización de micro-piezas documentales hará visible la mirada de los participantes y será puesta en común mediante sesiones de visionado crítico en forma colectivo.Introducir a los participantes en elementos esenciales del lenguaje cinematográfico desde la práctica de la creación documental, reflexionar acerca del lugar en el que nos sitúa el dispositivo de rodaje y producir una pieza colectiva compuesta por trabajos realizados por los participantes.MetodologíaLa sesión inicial consistirá en una introducción breve a la historia y estética del cine documental que irá acompañadade visionado de fragmentos de films. Posteriormente se procederá a la presentación de la dinámica de realización de ejercicios que se desarrollará en el curso. Cada semana los participantes realizarán uno de los ejercicios formales propuestos; posteriormente se compartirá con los demás un visionado y una discusión crítica acerca de las filmaciones de cada uno. Los ejercicios formales constituyen el vehículo para esclarecer algunas de las nociones teóricas iniciales de la realización cinematográfica así como para experimentar con la propia práctica algunos de los problemas en el registro de lo real. En anteriores talleres, se han realizado ejercicios como los minutos lumière, autoretratos, video-poemas o derivaciones visuales de textos, desmontaje y filmar-montando. A lo largo de las sesiones de trabajo se introducirán visionados de películas documentales que contribuyan a las reflexiones presentes. Finalmente, se organizará una muestra proyectando algunos de los trabajos realizados.

Plan de trabajo

• Viernes 11 noviembre: introducción a la historia y estética del cine documental, visionado fragmentos films, planteamiento del ejercicio 1de 18 hs a 21 hs• Sábado 12 noviembre: visionado colectivo del ejercicio 1 y discusión crítica, planteamiento del ejercicio 2 con visionado de films vinculadosde 13 hs a 19 hs
• Sábado 19 noviembre: visionado colectivo del ejercicio 2 y discusión crítica, planteamiento del ejercicio 3 con visionado de films vinculados
de 13 hs a 19 hs
• Sábado 26 diciembre: visionado colectivo del ejercicio 3 y discusión crítica, planteamiento del ejercicio 4 con visionado de films vinculados
de 13 hs a 19hs
• Sábado 3 diciembre: visionado colectivo del ejercicio 3 y discusión crítica. Selección de programa para la muestra. Valoración y cierre del taller.
de 13 hs a 19 hs

Consultas (598) 29025389

fac@internet.com.uy
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Acerca de Pilar Monsell
Pilar Monsell nace en Córdoba (España) en 1979. Licenciada en Comunicación Audiovisual por la Universidad de Málaga y Técnico Superior de Fotografía Artística por la Escuela de Artes Aplicadas de Málaga, gana el III Premio deVídeo Joven de Córdoba y resulta finalista en el III Certamen de Cortometrajes Andaluces de Màlaga con su primer trabajo en vídeo “Maquinas de Tiempo” (2001). Se desplaza a Barcelona en 2006 para cursar el Máster en Cine Documental de Creación de la Universidad Pompeu Fabra, con el apoyo de las ayudas de estudios de artísticos para jóvenes andaluces. En 2008, presenta su primer mediometraje documental “Distancias” (28 min), recibiendo el Premio del Público en el Festival dei Popoli 2008 (Italia) y recorriendo numerosos festivales internacionales. En 2011, finaliza el largometraje documental colectivo “69/78 Prescrit” (87 min) para el que realiza el capítulo “Pan, Trabajo y Libertad”. Ha trabajado como docente en la Facultad de Bellas Artes de la Universidad de Barcelona y en otras escuelas europeas, impartiendo clases de vídeo-arte y cine/video documental y realizando talleres de creaciòn documental para participantes muy diversos. Actualmente, trabaja en el desarrollo de su próximo largometraje y forma parte del equipo de realizadores del Laboratorio de Creación Documental de Play Doc – Festival Internacional de Documentales de Tui (2009-2013)

Cine ReLámpago en 16mm

2011-09-06T11:57:00.003-03:00

La convocatoria plantea la realización de un corto experimental en material fílmico (16mm) de 1” de duración,

se pondrá énfasis en la experiencia del rodaje de cada idea o guion a desarrollar.
Reflexionando en cada toma, produciendo cada plano, generando la
atmosfera deseada, su iluminación y variable sonora.
Cada idea cinematográfica es asistida por el colectivo de participantes, como
forma de maximizar la experiencia en cada rodaje.
Cada uno vivenciará las diferentes etapas del cine artesanal, manipulando
cada uno de los soportes técnicos originales y relacionamiento físico con
el formato 16mm.
El objetivo del Laboratorio es rescatar el cine hecho a mano aplicado a un
discurso artístico. A través de este proceso se subvierte la hegemonía de la
imagen digital y se re descubre la imagen fotoquímica.
Potenciando la observación, el tiempo, la reflexión del entorno visual y
materializarlo utilizando como herramientas cámaras a cuerda y material
fotosensible, para generar procesos artísticos de participación activa.
Estimulando la autorrealización y autogestión.

Desarrollo del Laboratorio en III Nodos:

Nodo I.- Presentación de laboratorio* y antecedentes de experiencias.

Visionado de material fílmico en 16mm en soporte original (documental,
comercial, home movie, material huérfano, etc)
La imagen analógica, propiedades matéricas.
Presentación de cada proyecto colectivamente y debate.
Manipulación de cámara, fotómetros, espirales y
proyectores.
Agenda de rodajes.
Realización de equipos de producción para cada rodaje, intercambio de roles,
valoración de cada rodaje como ejemplificador de problemas, aciertos e
intercambio de conocimientos grupales.
VIERNES de 18 a 22hs.

Nodo II.- Rodajes. Valoración de cada locación en el Barrio, exteriores e

interiores. Análisis de cada toma, ángulo, planos, luz y atmosfera.
Practica de Enhebrado de película en espiral.
Elaboración de líquidos para revelado.
SABADO de 9 a 20hs.

Nodo III.- Rodajes. Revelado Artesanal de cada corto.

Captura digital. Visionado de cortos en fílmico.
Intercambio de material documental de cada rodaje.
DOMINGO de 9 a 20hs.

*Este laboratorio tendrá flexibilidad horaria para aquellas personas que tengan inconvenientes de horarios a la hora de agendar rodajes y revelado.

Docente: Guillermo Zabaleta.

Costo: $2.500

Comienzo: 16 de Setiembre de 18 a 22hs.
17 de Setiembre de 9 a 20hs
18 de Setiembre 9 a 20hs.

Fundación de Arte Contemporáneo :
Maldonado 1273. Tel 29025389

PROGRAMA DE FORMACION PERMANENTE/ LABORATORIO DE SONIDO A CARGO DE RIKI MUSSO

2011-07-21T11:56:00.006-03:00

I )

Síntesis y Procesos analógicos del sonido.

Post producción digital y composición (básico).

(Osciladores, micrófonos, filtros, procesadores en general no virtuales).

Sábados de agosto de 10 a 13 hs.

II)

Procesos expandidos.

Formas de ejecución a partir de diferentes objetos de investigación.

Registros: ejecución en vivo, registros alterados, conexiones, mezcla espaciales y simultáneas.

Sábados de septiembre de 10 a 13 hs.

III)

Dispositivos de exhibición.

Site specific, caja blanca, etc.

Invitados especiales: Leo Masliah, Andrés Bedó entre otros.

Sábados de octubre de 10 a 13 hs.

Cada uno de los módulos pueden tomarse de forma autónoma.

Cine Estenopeico con Jesse Lerner

2011-06-16T11:32:00.008-03:00

En este taller se realizaran ejercicios de técnicas aplicadas a la realización de un corto experimental en soporte fílmico.

Algunos de los ejercicios propuestos son:construcción de una cámara estenopeica. Captura y revelado artesanal en 8mm y 16mm (b&n y color).Rayogramas en negativo. Postproducción. Exhibición de los ejercicios realizados.

Jesse Lerner es cineasta experimental, documentalista y curador. Como curador ha organizado exposiciones para el Robert Flaherty Seminar, el Palacio Nacional de Bellas Artes en la ciudad de México, y los Museos Guggenheim de Nueva York y Bilbao. Ha publicado numerosos libros sobre cine, por ej: El espanto de la modernidad, The Maya of Modernism y F is for Phony: Fake Documentary and Truth’s Undoing. Sus films Magnavoz (2006), T.S.H. (2004) y Nativos (1991, con Scott Sterling),Atomic Sublime (2010), El Egipto americano (2001), Ruinas (1999), y Fronterilandia (1995, con Rubén Ortiz-Torres) se han exhibido en Museo de Arte Moderno de Nueva York, la Bienale de Sydney, y fueron galardonados en Sundance y otros festivales en Estados Unidos, Japón y América Latina. Actualmente da clases en programa de Intercollegiate Media Studies de los Colegios de Claremont.

Fecha: 11 al 16 de Julio de 16 a 20 hs.

Costo:$2000

Lugar: Maldonado 1273

Informes e inscripciones: fac16mm @internet.com.uy o 099889998

Organiza: Laboratorio de Cine-fac

WORKSHOP Sonido e imagenes: un relacion impugnada.

2011-02-19T18:10:00.003-03:00

Como yuxtaponer el ruido y el lenguaje visual? Vamos a usar sonido grabado y imagenes que haremos juntos para creer cortas obras en donde el sonido y los imaganes “funciona juntos como un relevo” (Robert Bresson). Veremos partes de las peliculas de Godard, Marker, Tati, Fincher, Kubelka, Child por inspiracion.

Este taller explora las relaciones (armoniosas , contestatarias y rebeldes) entre lo visual y lo auditivo. Se grabarán sonidos ambientales, comparamos estilos de 'voice over' y hablaramos de la musica (diegetica y extra diegetica) y la mezcla de sonido.
Se estudiaran caracteristicas del sonido, como grabar, y combinar todos los elementos para crear una obra que sorprenda. Trabajando con sonidos grabados y una coleccion de sonidos. Se construirán algunas peliculas cortas sonico/visuales.

Docente. Mark Street (USA).

Dirigido a estudiantes de comunicacion, artistas e investigadores.

Viernes 11 de marzo de 16 a 20 hs al Sabado 12 de marzo de 10 a 16 hs (los horarios se ajustan dependiendo del desarrollo del programa)
Costo: $ 1.800
INFO: 29166417 - 099889998 - fac16mm@internet.com.uy

Agustín Sabella en Lugar a Dudas, Residencia de artista

2010-11-24T13:11:00.002-03:00

Mi obra trata sobre la información. De donde viene y a donde va a parar, el ruido, como es fácilmente manipulable, como se solapa generando nuevos significados, su función como panóptico, su ambigüedad, el caos y el orden, el rol de la percepción, etc.
Trabajo con imágenes y soportes que ya tienen una carga, que ya existen, que busco y otras veces me encuentran y que muchas veces pertenecen al inconsciente colectivo.
Al cambiarlos de contexto y situarlos en uno nuevo se generan múltiples significados nuevos, Esta forma de trabajo tiene sus antecedentes en Postproducción de Nicolas Bourriaud, Métodos de la Tergiversación y La Sociedad del Espectáculo de Guy Debord y varios pensadores más.

Después de acumular 3896 millas y 2 meses de experimentar Cali el resultado es A la orden (Sin lugar a dudas). Por supuesto que no me iba a dejar vencer fácilmente por mi nueva ciudad.

No me sorprendió la gente que vive en la calle, ni la que hace de la basura su medio de vida. Si me sorprendió el contraste, quizás como metáfora sirvan los chalecos verdes flúo de los vendedores de minutos de celular en la calle, que ofrecen la comunicación al instante asegurada mediante una cadena.
Contraste que se ve entre el movimiento y la luz del día y la noche, entre la Calle 6ta y 9na, entre la doble moral de las santerías y la oferta de pecado, entre el estilo de vida relajado y la paranoia. AS

Bill Brand - workshop cine experimental en el fac

2010-11-22T12:12:00.003-03:00

New Films, Old Films.
Los artistas utilizan tecnología vintage y transforman en nuevo lo obsoleto.
El workshop es una exploración experimental cinematográfica usando films 16 mm y video. Cada participante realizará un ejercicio cinematográfico a aprtir de sus propios archivos personales.
Recuerdos y memorias, especialmente recuerdos personales, imagenes de archivo y home movies, serán claves a la hora de investigar las formas de hacer cine experimental incorporando técnicas que también se utilizan para la preservación de imagenes de archivo. Incluye el uso de la optical printer (nueva adquisición del fac, generosamente donada por Bill Brand y otros colegas de New York).
Se visionarán films de Bill Brand a modo de ejemplo.

Jueves 26, 27 y 28 de noviembre de 16 a 20 hs

La Imagen en llamas - Angela López en Espacio Caballerizas, Murcia España

2010-11-10T10:25:00.002-03:00

Charla “La imagen en llamas” de Ángela López
El próximo día 21 se celebra la charla “La imagen en llamas” a cargo de Ángela López. Será en el Espacio Caballerizas / Molinos de Río en Murcia a las 19 h.
La investigación “La imagen en llamas”, revisita la historia fílmica de Uruguay desde la década del ´20 hasta finales de los ´70, los lazos de esta producción con otras disciplinas artísticas en la modernidad y como esas “páginas en blanco” afectaron en el pensamiento contemporáneo. Una vez realizada esta reconstrucción, física y filosófica, surge la necesidad de ontologizar el presente a través de la imagen, actividad que se propone como eje de este proyecto.
A principio de los ´70 un incendio extinguió, casi en su totalidad, la colección de films de CINEARTE SODRE, entidad creada en 1943 destacada por su liderazgo América Latina. Gracias al gesto de política afectiva del poeta Fernando Pereda que dona su colección de primitivos (500 títulos) y al apoyo de filmotecas extranjeras este espacio se refunda y deviene en el Archivo Nacional de la Imagen SODRE (1985).
La dictadura militar y los gobiernos que lo suceden no actúan frente a la dispersión de documentos tangibles y la potencia creativa que se promovía durante el Festival quedó enquistada, dando la sensación de que el Cine Uruguayo aún está por nacer.
Para tomar conciencia del concepto de este lenguaje se decide crear un espacio que potencie la producción audiovisual analógica, que tome la contemplación, la cualidad matérica del cine y el sentido de revelar la imagen como postulado. Un lugar que a modo de laboratorio enseñe a las familias poseedoras de archivos a mantener sus películas.
Esta experiencia funciona hoy a modo de cooperativa, está en contacto con otras experiencias similares en el mundo, así como con artistas (Bill Brand, Katy Martin, Lynne Sachs, Mark Street, Barbara Hammer, Peter Kubelka, Emanuel Lefranc, Virginia Villaplana, Christopher May, y otros) que visitan el laboratorio artesanal de cine del FAC Montevideo para apoyar el proyecto e intercambiar experiencias.
Una de estas experiencias se está implantando en Murcia con el impulso del Colectivo Tresorg Imaginación y el fotógrafo Salvi Vivancos. Hasta el momento se han organizado 4 talleres impartidos por Guillermo Zabaleta del FAC Montevideo, que han contado con el apoyo de Imagina San Javier y LAB Murcia
3 - Bajo el título de 'Cine a contracorriente: Latinoamérica y España - Diálogos, confluencias, divergencias... en los últimos 80 años' el SEACEX y el CCCB nos presentan un grupo de elementos (congreso, programa itinerante y DVD) con el objeto de investigar y dar a conocer el cine de vanguardia/experimental de América Latina y España. El congreso que se celebrará los días 28 al 31 de Octubre, contará con la presencia de cineastas y especialistas de ambos lados del Atlántico: Narcisa Hirsch, Ximena Cuevas, Jorge La Ferla, Arlindo Machado, Jesse Lerner,Tomàs Pladevall, Alfonso del Amo, Ángela López, y Juan José Mendy. El congreso constará de diversas ponencias, mesas redondas, una masterclass sobre montaje por Nelson Rodríguez (Cuba) y un 'Taller de introducción a la animación experimental' impartido por Lourdes Villagómez (México).

El programa itinerante constará de seis sesiones temáticas con un total de 60 títulos que serán proyectados por primera vez durante el congreso. De forma similar a 'Del éxtasis al arrebato' este proyecto contará con su catálogo en DVD, que se centrará exclusivamente en la producción latinoamericana y que será editado por Cameo.

Cine a contracorriente: Latinoamérica y España - Diálogos, confluencias, divergencias... en los últimos 80 años
28 al 31 de Octubre
Jueves 28 de Octubre
11:30-13:30 Masterclass: Sobre el montaje por Nelson Rodríguez (Cuba)
17:00-18:45 Apertura por Jorge La Ferla (Argentina) + Proyección Sesión 1: Revolución y contracultura
- Revolución (Jorge Sanjinés, 1963. Bolivia, 10’, b/n, sonora, 16mm.)
- Juventud, rebeldía, revolución (Enrique Pineda Barnet, 1969. Cuba, 31’, color, sonora, 35mm.)
- BiBiCi Story (Carles Durán, 1969. España, 7’50”, color y b/n, sonora, 35mm.)
- Now! (Santiago Álvarez, 1965. Cuba, 5’, b/n, sonora, 35mm.)
- Quema (Alberto Fischerman, 1962. Argentina, 9’45”, b/n, sonora, 35mm.)
- Agarrando pueblo (Los vampiros de la miseria) (Luís Ospina y Carlos Mayolo, 1978. Colombia, 28’35”, b/n y color, sonora, 16mm.)

19:15-21:00 Mesa introductoria de presentación con Rubén Guzmán (Argentina), Angélica Cuevas (México), Marta Lucía Vélez (Colombia) y Antoni Pinent (España)
22:00 Proyección Sesión 2: Cápsulas de tiempo
- Fuego en Castilla (José Val del Omar, 1958 - 1959. España, 17’, b/n y color, sonora, 35mm.)
- Magueyes (Rubén Gámez, 1962. México, 9’, b/n, sonora, 35mm.)
- El fin (Sergio García, 1970. México, 8’, color, sonora, súper 8.)
- Photomatons (Eugeni Bonet, 1976. España, 3’, b/n, sonora, súper 8.)
- Camal (Miguel Alvear, 2001. Ecuador, 13’15”, b/n y color, sonora, 16mm.)
- Street Symphony (Sarah Minter, 2006. México, 5’40’’, color, sonora, vídeo.)
- Fome (Hambre) (Carlos Vergara, 1972. Brasil, 9’30”, color, muda, súper 8.)
- Mi co-ra-zón (Pola Weiss, 1986. México, 10’, color, sonora (diálogos), vídeo.)
- Ilha das Flores (Jorge Furtado, 1989. Brasil, 13’, color, sonora, 35mm.)

Viernes 29 de Octubre
10:30-12:00 Ponencia: FAC - Uruguay por Ángela López (Uruguay)
12:30-14:00 Ponencia: Asociación AANME por María Belén Moncayo (Ecuador)
17:00-18:45 Mesa redonda: Restauración - Preservación con Tomàs Pladevall (España), Rosa Cardona (España) y Juan José Mendy (Uruguay/España). Moderador: Alfonso del Amo (España)
19:15-21:00 Encuentro: La Mexicanidad con Ximena Cuevas (México) y Jesse Lerner (EEUU/México)
22:00 Proyección Sesión 3: Interferencias
- Traum (sueño) (Horacio Coppola y Walter Auerbach, 1933. Argentina/Alemania, 2’, b/n, muda, 16 mm.)
- La flecha y un compás (David José Kohon, 1950. Argentina, 10’58’’, b/n, sonora, 16mm.)
- Los placeres de la carne (Horacio Valleregio, 1977. Argentina, 12’, color, sonora, súper 8.)
- Juquilita (Elena Pardo, 2004. México, 2’20”, color, sonora, 16mm.)
- Ofrenda (Claudio Caldini, 1978. Argentina, 3’, color, sonora, súper 8.)
- Desnudo desciende (Silvia Gruner, 1986. México, 1’30”, b/n y color, muda, súper 8.)
- POESIA eVENTO (Gabriel Borba, 1954-75. Brasil, 1’22’’, color, sonora, súper 8.)
- Opus (José Ángel Toirac, 2005. Cuba, 4’40”, b/n, sonora, video.)
- Danse noire (Frederic Amat, 2005-2006. España, 3’33”, color, sonora, vídeo.)
- Xeroperformance (Paulo Bruscky, 1980. Brasil, 40”, b/n virado, sonora, súper 8.)
- L’espectador / Habitació amb rellotge / La llum / Conversa (Carles Santos, 1967. España, 6’40”, b/n, sonora, 16mm.)
- Horizonte sin Horizonte (Sandra DeBerduccy, 2007. Bolivia, 4’50’’, color, sonora, vídeo.)
- Natura (José Castillo, 2001. Venezuela, 1’40’’, color, sonora, 35mm.)
- Pintura 63 (Ton Sirera, 1962-1963. España, 5’30”, color, sonora, 16mm.)
- Impresiones en la alta atmósfera (José Antonio Sistiaga, 1988-1989. España, 7’, color, sonora, 70mm.)

Sábado 30 de Octubre
12:00 Mesa redonda: Colecciones - Archivos con Fernando Martín Peña (Argentina), María Belén Moncayo (Ecuador) y Irela Núñez (Perú). Moderadora: Ángela López (Uruguay)
17:00-18:45 Mesa redonda: Panóptico con Jorge La Ferla (Argentina), Arlindo Machado (Brasil) y Jesse Lerner (EEUU/México). Moderadora: Marta Lucía Vélez (Colombia)
19:15-21:00 Encuentro: Homenaje a Narcisa Hirsch conducido por Rubén Guzmán (Argentina)
22:00 Proyección Sesión 4: Señales de vida
- O pátio (Glauber Rocha, 1958. Brasil, 12’43”, color, sonora, 35mm.)
- La segunda primera matriz (Alfredo Gurrola, 1972. México, 15’, color, sonora, súper 8.)
- La ciudad en la playa (Ferruccio Musitelli, 1961. Uruguay, 12’, sonora, color, 16mm.)
- Documental (Alexander Apóstol, 2005. Venezuela, 2’, color, sonora, vídeo.)
- Esta pared no es medianera (Fernando De Szyszlo, 1952. Perú, 10´, b/n, sonora, 35mm.)
- El Aleph (Narcisa Hirsch, 2005. Argentina, 1’, color, sonora, súper 8 y 16mm.)
- Habana Solo (Juan Carlos Alom, 2000. Cuba, 14’30”, b/n, sonora, 16 mm.)
- Ice Cream (Antoni Padrós, 1970. España, 8’10”, b/n, sonora, 16 mm.)
- Miserere (Antoni Miralda y Benet Rossell, 1979. España, 12’, b/n, sonora, 16mm.)

Domingo 31 de Octubre
18:30 Proyección sesión 5: Ejercicios de estilo
- Ojo de pez (Gabriel Enrique Vargas Vázquez, 2007. Colombia, 15’24”, b/n, sonora, video.)
- Elegbe (Guillermo Zabaleta, 2008. Uruguay, 3’, b/n, sonora, 16mm.)
- Self-portrait (Ricardo Nicolayevsky, 1982-1985. México, 6’30”, color y b/n, súper 8 y 16mm.)
- 0778 (Marcellvs L., 2004. Brasil, 9’27”, color, sonora, video.)
- Tierra de sombra (Alberto Borea, 2002. Perú, 12’42, b/n, muda, video.)
- Passacaglia y Fuga (Laura Abel y Jorge Honik, 1976. Argentina, 16’, color, sonora, súper 8.)
- Corazón Sangrante (Ximena Cuevas, 1993. México, 3’, color, sonora (diálogo), video.)
- Farce Sensationelle! (Laida Lertxundi, 2004. España-EUA, 3’10”, b/n, sonora, 16 mm.)
- Cocinero (Daniela Cugliandolo. 1999. Argentina, 3’, b/n, sonora, súper 8.)
- F.I.R.T. 119 (Raymond Beluga Studio, 2002. Argentina, 10’ 24”, b/n, sonora, 16 mm y súper 8.)
20:00 Proyección sesión 6: Medio y masaje
- Gallery Dogs (Diego Lama, 2005. Perú, 2’30”, color, sonora, video.)
- Travelling (Lluis Rivera, 1972. España, 10’25”, b/n, sonora, 16 mm.)
- Frank Stein (Iván Zulueta, 1972. España, 3’, b/n, muda, 16mm.)
- Las maravillas del mundo salvaje / hormigas (Lourdes Villagómez, 2000. México, 4’38”, color, sonora, video.)
- Límites (1ª persona) (Elías León Siminiani, 2009. España, 7’45”, color, sonora, vídeo.)
- Súper 8 (David Domingo, 1999. España, 7’25”, color, sonora, súper 8.)
- Chapucerías (Enrique Colina, 1987. Cuba, 11’, color y b/n, sonora, 35 mm.)
- Alice in Hollywoodland (Jesús Pérez-Miranda, 2006. España, 7’, b/n y color, sonora, vídeo.)
- Fear/Miedo (Claudia Aravena, 2008. Chile, 14’, color, sonora, video.)
- Minnesota 1943 (Toni Serra, 1995. España, 7’13”, b/n y color, sonora, vídeo.)
- O som, ou tratado de harmonia (Arthur Omar, 1984. Brasil, 17’, color, sonora, 35mm.)

Equipo:

Comisario CCCB:
Antoni Pinent
Comisarios asesores:
Angélica Cuevas Portilla (Cuba, México y Perú)
Rubén Guzmán (Argentina, Uruguay y Paraguay)
Marta Lucía Vélez (Bolivia, Brasil, Chile, Colombia, Cuba, Ecuador, Paraguay, Perú y Venezuela)
Coordinación:
Lara Navarro (congreso)
Sagrado Nova (ciclo de cine)

LA IMAGEN EN LLAMAS - Angela López

2010-11-10T10:15:00.002-03:00

Sábado 23 de octubre, 19 h
Ángela López Ruiz, artista, curadora e investigadora uruguaya presenta en Off Limits la investigación “La imagen en llamas”.
A principio de los 70 un incendio extinguió, casi en su totalidad, la colección de films de CINEARTE SODRE, entidad creada en 1943 destacada por su liderazgo América Latina1. Gracias al gesto de política afectiva del poeta Fernando Pereda que dona su colección de primitivos (500 títulos) y al apoyo de filmotecas extranjeras este espacio se refunda y deviene en el Archivo Nacional de la Imagen SODRE (1985). El primer incendio arrasó con la sede del Festival de Cine Experimental y Documental, en el segundo ardió la memoria fílmica de Uruguay. La dictadura militar y los gobiernos que lo suceden no actúan frente a la dispersión de documentos tangibles y la potencia creativa que se promovía durante el Festival quedó enquistada, dando la sensación de que el Cine Uruguayo aún está por nacer.
Este proyecto revisita la historia fílmica de Uruguay desde la década del 20 hasta finales de los 70; los lazos de esta producción con otras disciplinas artísticas en la modernidad y como esas “páginas en blanco” afectaron al pensamiento contemporáneo.
Más información:
http://www.offlimits.es/maelstrom/2010/10/la_imagen_en_llamas.html

Off Limits
Escuadra 11 bajo, 28012 Madrid
Metro: Lavapiés y Antón Martí

Taller de cine artesanal 16 mm - Auditorio Municipal de San Javier

2010-11-10T09:23:00.004-03:00

“Cine Artesanal en 16mm”.

Más información e inscripción: www.imagina.sanjavier.es o info@imagina.sanjavier.es
Aproximación física a material cinematográfico 16mm y 35mm.Visionado del metraje encontrado seleccionado y eligiendo segmentos de interés para la creación grupal. Creación de corto colectivo y bucles individuales, a partir de la intervención con diferentes objetos. Cada participantes intervendrá físicamente el soporte fotograma a fotograma con cuchillas, pinturas, lejía, lijas, plumas de tinta, rotuladores, agujas y cinta papel. Creando imágenes abstractas, cambiando la narración original y creando la propia tras la manipulación de la emulsión. Esta experiencia de cine artesanal utilizando material ya existente, nos permite realizar estructuras narrativas alterando las originales, modificar el sonido, el tiempo, el color, las secuencias. Creando un montaje fotograma a fotograma propio, original y lúdico. Manejo de proyectores, proyección de loops en multipantallas, sincronización de sonido, captura fotográfica y post-producción de fácil manejo. Con el respaldo digital, se abre un nuevo campo de investigación al conjugar el lenguaje analógico y el digital. Exhibición a modo de instalación fílmica. Laboratorio orientado a estudiantes de comunicación, Vj, artistas visuales, investigadores o cualquier persona interesada. Experiencia de tres jornadas intensas, con una carga horaria de 8 hs cada una.

Docente: Guillermo Zabaleta FAC Montevideo. www.facmvd.org
Lugar: Bajos del Auditorio Municipal de San Javier.
Fechas: Del 18 al 20 de octubre de 2010.
La idea de estos talleres no es sólo la producción de cortos ,sino el comienzo de diferentes proyectos artísticos que toman el soporte fílmico como medio de expresión. Creando nuevos circuitos de exhibición, nuevas células de laboratorios, nuevos espacios para filmsperformance, reconocimiento del cine experimental y de home movie en festivales nacionales, creación de colectivos experimentales y un cine fermental de creación.

Exhibición (Proyecciones).

El viernes 22 se realizarán las proyecciones del material producido en los talleres “Cine artesanal en 16mm” y “Cine Encontrado”. También una selección de los realizados en FAC Montevideo.

Lugar: Biblioteca Municipal de San Javier. 20h.

WWW.IMAGINA.SANJAVIER.E
La convocatoria plantea la realización de una idea o guión cinematográfico en 16 mm con luz día, montaje en cámara, captura 1/1 y autoproducción. El participante realizará un corto experimental con material cinematográfico de 3” de duración. En esta segunda fase se pondrá el énfasis de la experiencia en el rodaje de cada idea o guión a desarrollar, reflexionando en cada toma, produciendo cada plano, generando la atmósfera deseada, su iluminación y variable sonora. Cada idea cinematográfica es asistida por el colectivo de participantes, como forma de maximizar la experiencia en cada rodaje, cada uno aporta su impronta enriqueciendo de esta forma esta convivencia cinematográfica, cada vínculo crea redes forjando futuras experiencia. Cada asistente vivencia las diferentes etapas del cine artesanal, se genera un permanente manejo de cada uno de los soportes técnicos originales relacionándose físicamente con el formato, desde la carga de la cámara (a cuerda), manejo de espiral para revelado, manipulación de líquidos, revelado artesanal y utilización de proyectores para proyección. Se facilitan las herramientas para su realización, fotómetro, cámaras (soporte original década del 50, ventajas operativas), emulsión negativa blanco y negro, revelado artesanal y captura digital de fácil manejo.

Esta experiencia está orientada a estudiantes de comunicación, artistas visuales, investigadores o cualquier persona interesada. La duración es de cuatro días con una carga horaria de 8 hs por día y un día para el montaje de la instalación fílmica.
Docente: Guillermo Zabaleta FAC Montevideo. www.facmvd.org
Lugar: Bajos del Auditorio Municipal de San Javier.
Fechas: Del 11 al 17 de octubre de 2010.

workshop de improvisacion audiovisual . TRINCHERA ENSAMBLE

2010-10-30T10:08:00.001-03:00

Una reflexión sobre la tecnología, desde la concepción de obsolescencia, teniendo en cuenta la relación que existe entre nuestra circunstancia suramericana y el acceso a la tecnología, poniendo en consideración las fronteras tecnológicas y por lo tanto la noción de territorio.

Objetivos particulares

- Introducción al lenguaje de cine sin cámara.
- Construcción de proyector de casero desde objetos encontrados.
- Creación de obra audiovisual abstracta con una constante reflexión sobre la noción
de territorio, de la cartografía y del mapa.
- Construcción de partituras sonoras.
- Improvisación audiovisual con los proyectores caseros.
- Performance de cierre del taller.

Cupo: Máximo de 10 a 15 personas (estudiantes de artes visuales, artistas, performers, video artistas,
artistas nuevos medios, cineastas, fotógrafos, artistas sonoros e interesados en la
experimentación audiovisual)

Exhibición de trabajo final en Colección Engelman Ost
20 de noviembre a las 19 :30

4 sesiones de 4 horas. Comienzo16 de noviembre.-

2010-10-29T08:53:00.001-03:00

Data do evento: 20/11/2010
Local: Terreiro - O outro, o mesmo
das 17:00 às 18:30

Funcionário do Mês é uma espécie de grande remixer que se alimenta das imagens corporativas, da classe política local, do mundo pop, da mídia, e do maravilhoso mundo da arte contemporânea.
O artista como uma atração, um fenômeno do remixer - no sentido de dar direção a outras imagens, novos caminhos que geram novos significados- por trás de um sorriso largo que nos desafia.

Riki Musso en concierto. Centro Cultural de España. Viernes 15 de octubre a las 19:30 hs

2010-10-12T15:16:00.001-03:00

Entrada gratuita, se deberán retirar en el CCE a las 19:30

Laboratorio de 16 mm del fac en MANIFESTA8 murcia España.

2010-10-06T08:34:00.004-03:00

El Programa de Eventos Paralelos de Manifesta 8 extiende la celebración de la bienal de arte contemporáneo a toda la Región
Las actividades a desarrollar en una docena de municipios cuentan con la colaboración de instituciones regionales e internacionales. Alrededor de 2.000 personas se han acreditado a día de hoy para asistir a la inauguración, de los que 500 son periodistas y 1.500 profesionales.
El consejero de Cultura y Turismo, Pedro Alberto Cruz, dio a conocer este jueves las instituciones y los proyectos culturales que integrarán el programa de Eventos Paralelos Manifesta 8, a través del que la Bienal Europea de Arte Contemporáneo se desarrollará, además de en Murcia y Cartagena, en diversos puntos de la Región, como Cehegín, Jumilla, Mazarrón, Lorca, Bullas, Fuente Álamo, San Pedro del Pinatar, Cieza, Moratalla o Torre Pacheco.

Con este programa, Manifesta se convierte en el “el evento que de manera más plural y completa va a vertebrar toda la Región de Murcia tanto desde el punto de vista institucional como territorial en torno al arte”. Además, recordó el titular regional de Cultura, la Bienal Europea supondrá, con la participación de cerca de 150 artistas, “el periodo de máxima intensidad artística en la historia de esta región”.

Cruz destacó asimismo que con la Bienal Europea “tanto los artistas locales como las instituciones se van a ver conectados a esta red internacional y van a tener la oportunidad de que sus propuestas sean vistas por los principales expertos y profesionales del mundo del arte a nivel internacional”. Así, el consejero informó de que a día de hoy, “ya que la lista se va agrandando”, se han acreditado alrededor de 2.000 personas para asistir a la inauguración, de los que 500 son periodistas y 1.500 profesionales, además de los grupos de coleccionistas, profesionales y expertos que ya están confirmados y que visitarán la Región en los próximos meses.

También puso de relieve la puesta en valor de “espacios culturales y no culturales, de carácter histórico” que conlleva la celebración de este evento así como el cambio en “la forma de entender el turismo cultural, en tanto que facilitará una circulación absolutamente novedosa a lo largo y ancho de la región”.

Manifesta 8 contará con un extenso programa de Eventos Paralelos, con 35 proyectos seleccionados, que al igual que la bienal se desarrollará del 9 de octubre al 9 de enero. La programación se nutrirá de dos frentes: en primer lugar, los proyectos procedentes de la convocatoria abierta, en la que veinte de los seleccionados son residentes o nacidos en la Región de Murcia; en segundo lugar, los actos que tendrán lugar en colaboración con numerosas instituciones y proyectos culturales regionales e internacionales.

Entre los artistas murcianos o residentes en la Región de Murcia que participarán en estos eventos se encuentran Claudio Aldaz, Eduardo Balanza, Aisa Boaa, Paloma García, la compañía Erre que Erre, el equipo ESC (formado por Ricardo Escavy y Alfonso Escudero), Javier Pividal, FOD, Pedro Guirao, Sonia Navarro, Sergio Sotomayor, Paz Tornero, Abraham Hurtado y Pedro Ortuño.

Uno de los objetivos principales de estos Eventos Paralelos, dijo Cruz, “es difundir y utilizar los recursos culturales de la Región, con el fin de aprovechar el momento del desarrollo de la Bienal para maximizar la difusión de los proyectos que tienen lugar”. A la vez, se trata de fomentar y apoyar proyectos que parten desde la Región “con el fin de que tengan una continuidad en el tiempo, más allá del calendario en que tendrá lugar Manifesta 8, y servir de plataforma de comunicación e intercambio entre proyectos regionales e internacionales”, aseguró.

Las instituciones son la Biblioteca Regional de Murcia y Red de Bibliotecas de la Región de Murcia, el Centro Párraga, el Laboratorio de Arte Joven (LAB), la Fundación José García Jiménez, el CENDEAC, la Universidad de Murcia, la Universidad Politécnica de Cartagena, el Ayuntamiento de Moratalla y su Festival de Creación Astística MORE ART ALLA, el Ayuntamiento de Alhama de Murcia, el Museo de Fuente Álamo, Imagina San Javier, la Fundación Teatro Romano de Cartagena, el Ayuntamiento de Mazarrón, el Proyecto La Naval y Mediación Manifesta 8. A todas ellas se suman tres colaboraciones internacionales, con Artsadmin London, Parallax Venice y el Dutch Art Institute.

Actividades

Eventos Paralelos Manifesta 8 dará el pistoletazo de salida en la inauguración de la bienal de arte el día 9 de octubre, en La Conservera, donde se exhibirán dos piezas de las seleccionados de la convocatoria abierta: ‘Investir’, de Valeria Schwarz, y ‘Escritura’, de Javier Pividal, además de actuaciones de ‘disc-jockeys’ y Noise Box.

El sábado 16 de octubre, a las 22:00 horas, el grupo murciano de psicodelia-rock Schwarz presentará en el Espacio 0 del Centro Párraga su nuevo disco, ‘Espíritus del Desierto, yo os invoco’.

Además, se podrá disfrutar de actividades relacionadas con el arte objetual, muestras de danza y teatro, exposiciones de fotografía y pintura, videoinstalaciones, dibujo, video o sonido. También habrá talleres dirigidos a público infantil, como el que hará Katarzyna Rogowicz sobre cuadernos de viaje en las bibliotecas de la Región de Murcia.

Asimismo, habrá un curso de realización cinematográfica, con la posibilidad de participar en cuatro rodajes dirigidos o tutelados por profesores, que serán exhibidos más tarde en el museo del Teatro Romano de Cartagena. La experiencia se completa con la oportunidad de compartir ideas y proyectos durante una semana de convivencia en una casa-albergue. También se impartirá un taller de cine en 16 milímetros, a cargo de Guillermo Zabaleta.

Habrá, además, una acción e intervención por parte de los artistas del Duch Art Institute (DAI), que presentarán su discurso comprometido acerca de la doble naturaleza del arte: como objeto simbólico y como bien de consumo. Con su tienda móvil y temporal de souvenirs, recorrerán las sedes de Manifesta 8: plazas, centros comerciales, barrios periféricos y centros turísticos.

El Programa de Eventos Paralelos de Manifesta 8 extiende la celebración de la bienal de arte contemporáneo a toda la Región
Las actividades a desarrollar en una docena de municipios cuentan con la colaboración de instituciones regionales e internacionales. Alrededor de 2.000 personas se han acreditado a día de hoy para asistir a la inauguración, de los que 500 son periodistas y 1.500 profesionales.
Fuente. http://www.enciezadigital.com/detalleNoticia.asp?Idnoticia=84095

PROGRAMA DE FORMACIÓN PERMANENTE * GACHI HASPER VISITAS DE ESTUDIOS

2010-09-14T16:13:00.002-03:00

Los participantes deben presentar un resumen de 10 a 20 imágenes/ 5 textos para los que escriben o 5 minutos de video, antes del 28 de septiembre de 2010.
-los días del workshop son 1,2 y 3 de Octubre.
-cupos limitados
-costo $1.000 (mil pesos uruguayos)

La experiencia consiste en un diálogo privado con el artista frente a su obra (de una hora y media).
Este ejercicio de presentación del trabajo se profundiza con preguntas y observaciones que aparecen entre la obra y el discurso que se tiene sobre ella. Los participantes deben ser artistas en actividad sea cual fuese su soporte: video, pintura, foto, dibujo, instalación, etc. Se revisa el período de los tres últimos años aproximadamente y en forma ideal se realiza en el espacio de trabajo de cada participante.

Graciela Hasper (Buenos Aires, 1966)
Desde 1989 presenta muestras individuales en Fondo Nacional de las Artes, Bs As (2002); Galeria Ruth Benzacar, Bs As (2010, 2006, 2004, 1999); Annina Nosei Gallery, NYC (2003, 2000, 1998); Chinati Foundation, Texas (2002) entre otras; y muetras colectivas: From Confrontation to Intimacy: 1960/2007. Americas Society, NYC (2007); Lo(s) Cinético(s), Museo Reina Sofia, Instituto Tomie Othake, San Pablo (2007), entre otras. Algunas distinciones son la beca de la Fundación Antorchas para el Taller de G. Kuitca (1990-93); 1997 Art OMI/ International Artists Residency Program, NY; beca Fulbright-FNA para una residencia en Apex Art, NYC (2000-01). 2002 Chinati Foundation Residency Program, Marfa, Texas. .En 2005 participó del Bellagio Center Residency Program/ Rockefeller Foundation en Italia. En 2007 la editorial Adriana Hidalgo publicó un libro monografico sobre su obra. En 2006 co-fundó la Residencia Internacional Artistas en Argentina, www.proyectoriaa.org y en 2009 co-fundó el Centro de Investigaciones Artísticas, www.ciacentro.org

PROGRAMA DE FORMACION PERMANENTE DEL FAC * Jacqueline Lacasa * "LA MALA EDUCACION"

2010-08-30T10:20:00.007-03:00

La mala educación
“Ella se define a si misma como una mezcla
de desierto, casualidad y cafetería”
Pedro Almodóvar, “La mala educación”.

A lo largo del siglo XX, Uruguay ha construido imaginarios múltiples sobre los dispositivos educativos y su desarrollo en el medio artístico. A la luz de diferentes posturas se han generado modelos que responden a un paisaje intelectual y político potencialmente amplio de las practicas creativas y de los roles que juegan los actores y espectadores del campo del arte. Los procesos culturales devienen ámbitos controvertidos en la formalidad de la transmisión del conocimiento, de hecho van hacia la fragmentación de los circuitos de producción y a su vez operan como si fueran centros externos al campo de acción. Este seminario tiene como objetivo operar en la construcción de herramientas para bordear y dialogar las zonas conflictivas de lo que se denomina “educación en arte”.El seminario plantea la evolución de una cartografía del pensamiento crítico en el marco de los procesos culturales en nuestro contexto. La naturaleza de La mala educación como parte de los nuevos paradigmas, conforma el espacio donde probar y crear herramientas que habiliten al cambio y a la concreción de sentidos y subjetividades en el proceso de adquisición del conocimiento en arte. Se trata de la apropiación de conceptos que desestabilicen el territorio de conocimiento dado como absoluto y amplíen la concepción de los procesos de diálogo, experimentación y concreción de los proyectos en arte contempráneo..

Lic. Jacqueline Lacasa

Proyecto/ Procedimiento silencioso
Performance /Jacqueline Lacasa
Museo Metropolitano de Nueva York
Abril de 2010

El seminario brinda herramientas para comprender el arte y pensamiento contemporáneos. La idea es que a través del seminario se generen estrategias sobre pensamiento crítico y el posicionamiento de los agentes del campo frente a las prácticas actuales de producción. El seminario se basa en autores como: Roland Barthes,Walter Benjamín, Hal Foster.
Setiembre 11,18 y 25 de 10 a 13 hs

Costo total del seminario : $1.000 (mil pesos uruguayos)
Inscripciones al 2916 6417 (Montevideo)

El libro EL INSTANTE DE LA MEMORIA de Virginia Villaplana se presenta en Montevideo

2010-08-09T10:39:00.004-03:00

Virginia Villaplana presenta libro sobre la represión franquista próximo viernes 13 de agosto, 19 hs en la Colección Engelman, Rondeau 1430
El instante de la memoria : una novela documental basada en la historia de la represión franquista, a través de la visión de la artista visual, escritora e investigadora Virginia Villaplana.

Virginia Villaplana, nació en París, en 1972, reside en España donde dicta clases en la Facultad de Comunicación de la Universidad de Valencia. Ha hecho innumerables aportes acercando la investigación histórica y social y el arte sintetizado en la media-biografía.
Ha llegado a Uruguay, invitada por la Fundación de Arte Contemporáneo (FAC) para presentar el libro "El Instante de la Memoria", una novela documental centrada en dos lugares de dolor y resistencia. Por una parte, las fosas de la represión franquista en el Cementerio de Valencia y por otra, el territorio de la resistencia maqui que conformó la vivencia de la Agrupación Guerrillera del Levante y Aragón (A.G.L.A.), dos lugares claves para entender la represión durante la dictadura franquista. Viernes 13 de agosto a las 19 hs. Colección Engelman Ost, Rondeau 1430
También participará de Working Documents: un taller que explora, a través de la práctica artística, la generación de estrategias documentales de intervención crítica social.

Las líneas de trabajo que transitan Working Documents se extienden a las políticas de género y la identidad, a la traducción como mediación para problematizar los referentes históricos culturales, a la recepción de la imagen documental a través de los dispositivos de proyección relacional, a la performance como geografía simbólica y al agenciamiento, con una clara vocación colaborativa para construir imágenes públicas en comunidad.
Working documents: Sabado 14 ,21 y 28 de Agosto en la sede de la Fundación de Arte Contemporáneo
Por entrevistas e inscripciones: fac juan carlos gómez 1544 / p 2, 3 y 4 /
Tel: 9166417 fac@internet.com.uy

Virginia Villaplana (España) / Workshop Sabado 14 ,21 y 28 de Agosto Working documents

2010-07-30T09:54:00.003-03:00

Working Documents es un taller que explora, a través de la práctica artística, la generación de estrategias documentales de intervención crítica social.

Las líneas de trabajo que transitan Working Documents se extienden a las políticas de género y la identidad, a la traducción como mediación para problematizar los referentes históricos culturales, a la recepción de la imagen documental a través de los dispositivos de proyección relacional, a la performance como geografía simbólica y al agenciamiento, con una clara vocación colaborativa para construir imágenes públicas en comunidad.

Virginia Villaplana (España). Artista, escritora y profesora asociada de Ciencias de la Comunicación en la Universidad de Valencia. Doctora en Bellas Artes y Comunicación. Ha desarrollado los proyectos artísticos: El instante de la memoria (Offlimits-mncars), SoftFiction (Consonni, Bilbao, 2009), Diario de sueños Intermitentes (Musac, León, 2010), Narrativas de la transición española (Montevideo, 2009), Poéticas de la resistencia (Visor, Valencia, 2009-2010), En una corta unidad del tiempo (Liquidación Total, MediaLab Prado, Madrid, 2008), Working Documents (Centre de L´Imatge, Barcelona, 2008) http://www.workingimages.org/
Relatos culturales sobre la violencia de género (MNCARS, Madrid, 2005) www.carceldeamor.net ,
Imaginarios en Tránsito (Centro Gallego de Arte Contemporáneo, 2007) y In/security in a global context. The City of Women (Ljubljana, Slovenia).

Es autora de los libros El instante de la memoria (Madrid, 2010), (un libro de ensayo sobre memorias digitales, Valencia, 2007), (Madrid, 2008), Cine InfinitoZonas de intensidades24 Contratiempos(Valencia, 2001), y co-editora de Cárcel de amor. Relatos culturales sobre la violencia de género (Ministerio de Cultura, Museo Nacional Reina Sofía, 2006). Miembro del Consejo editorial de la revista científica Arte y Políticas de Identidad, editorial Editum.

Agustín Sabella en Buenos Aires - 99 C Dreams -

2010-07-22T14:09:00.005-03:00

99 c DREAMS - "..el significado de un objeto solo se entiende en relación al significado de otros objetos. Aquí es donde radica la metáfora, donde se comienzan a crear situaciones como lo definió Guy Debord " la construcción concreta de ambientes momentáneos de la vida y su transformación en una calidad pasional superior"

Agustín Sabella (cita del catálogo de la muestra)

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MENOS TIEMPO QUE LUGAR El Arte de la Independencia. Centro Municipal de Exposiciones SUBTE Plaza Fabini, 18 de Julio y Herrera y Obes, Montevideo

2010-07-15T10:03:00.002-03:00

MENOS TIEMPO QUE LUGAR
El Arte de la Independencia.
Centro Municipal de Exposiciones SUBTE
Plaza Fabini, 18 de Julio y Herrera y Obes, Montevideo
Inauguración: 16.7.2010, 19:00 hrs.
Exposición 17.7-22.8. 2010

Agustín Sabella expone en Buenos Aires.

2010-07-12T12:20:00.002-03:00

Ups! Art Gallery

PFP - PROGRAMA DE FORMACION PERMANENTE EN EL FAC

2010-06-24T16:12:00.007-03:00

SEMINARIO DE ANNABEL TELES * POLITICA AFECTIVA

Julio 24, 31 y 6 de agosto.
Inscripción: $ 1.000 (mil pesos uruguayos)

Para pensar la potencia de pensar/crear
En nuestros días, ciertos saberes y experiencias comienzan a provocar inquietud. Se nos ha vuelto imprescindible pensar de otro modo, problematizar los conceptos e ideas que constituyen nuestras teorías y prácticas. Por ello, nos proponemos, en este seminario, estimular un pensamiento crítico y creativo que posibilite un ejercicio conceptual en relación a las prácticas que realizan los integrantes del grupo. Es preciso, valorizar y clarificar ideas, realizar un ejercicio de pensamiento creativo que efectúe un hacer innovador. En el presente seminario trabajaremos en el sentido de estimular el despliegue de la potencia de pensar/crear singular y colectiva gracias al incentivo de una lectura actual de la filosofía de Spinoza. En la medida que ella elabora tanto una crítica de la lógica hegemónica como una apertura a nuevos modos de existencia al trazar las líneas para el despliegue de una política afectiva que abre la posibilidad de una vida singular y colectiva que afirma la producción/creación.

WORKSHOP PARA ADOLESCENTES Y JOVENES EN EL FAC 30 junio, 1º y 2 julio, , horario de 10 a 17 hs.

2010-06-15T17:00:00.002-03:00

Cine hecho a mano

Aproximación al formato cinematográfico 16mm y 35mm. El metraje encontrado y los segmentos seleccionados se utilizarán para la creación de una obra grupal.
Cada participante intervendrá el film cuadro a cuadro con trinchetas, pinturas, hipoclorito, lijas, plumas de tinta, marcadores, agujas y cinta papel, creando imágenes abstractas, modificando la narración original y creando una propia, luego de la manipulación de la emulsión. Esta experiencia de cine artesanal utilizando material ya existente, nos permite realizar estructuras narrativas alterando las originales, modificar el sonido, el tiempo, el color, las secuencias. Luego del respaldo digital, se abre un nuevo campo de investigación al conjugarse dos lenguajes: el analógico y el digital.
30 junio, 1º y 2 julio, , horario de 10 a 17 hs.

costo $U 1.000 (mil pesos urguayos)

CAROLINA SOBRINO escena en off

2010-06-01T16:13:00.007-03:00

Carolina Sobrino
ESCENA EN OFF
CENTRO CULTURAL DE ESPAÑA
Curador in vitado: Carlos Poro
A través de imágenes fotográficas en blanco y negro, esta fotógrafa uruguaya
aborda escenas desde un ámbito estrictamente íntimo, conectado -en
perfecta comunión- con el exterior, trazando una línea recta entre ambos
puntos. Una secuencia de espacios, luces y sombras establece el diálogo
con el espectador.
Carolina Sobrino (Montevideo, 1969). Comienza a vincularse con la
fotografía en el taller de Diana Mines en 1989. Desde entonces participa
de exposiciones colectivas, dedicando en gran parte su mirada a la temática
de género. Expone individualmente en los años 2000 (Uruguay) y 2006
(España). Actualmente vive y trabaja en España.
Carlos Porro. Fotógrafo, laboratorista, docente. Ha expuesto en muestras
individuales y colectivas. Sus obras forman parte de colecciones privadas
en el exterior.
EN EL MARCO DE LA PRiORIDAD HORIZONTAL DE GÉNERO DE LA COOPERACIÓN ESPAÑOLA PARA EL DESARROLLO
Y DEL PROGRAMA PLATAFORMA DE IMPULSO A CREADORES CONTEMPORÁNEOS URUGUAYOS.
ESTA EXPOSICIÓN PERMANECERÁ ABIERTA HASTA EL SÁBADO 21 DE AGOSTO DE 2010.

Santiago Velazco _ CME Subte "Tierno terror"

2010-06-01T16:08:00.001-03:00

La muestra “Tierno Terror” de Santiago Velazco presenta noventa y dos pinturas y objetos de pequeño formato en las que el artista se reapropia de su producción, creando un mundo poblado de personajes que contrastan en su apariencia como seres tiernos y siniestros a la vez. El miedo opera en el punto exacto donde debe sonar la alarma, esa alarma que se vincula con la búsqueda de protección necesaria para la supervivencia del individuo y para desarrollar el quantum de energía que le permita funcionar para su propia preservación. Santiago Velazco lleva a cabo “Tierno Terror”, proporcionando al espectador imágenes donde, con humor y sarcasmo, susurran pequeños demonios en movimiento.
La estrategia consiste en observar, a través de la obra, como cada individuo tiene un fetiche o un objeto en el que depositar sus miedos o acompañarse, ya sea fabricado, ideado o heredado. La cultura del comic y del pop son transversalmente leídas desde el campo del arte y el diseño y trabajadas con ironía para revelar los miedos a nuestro entorno presente.

Lic. Jacqueline Lacasa
curadora

CINE EXPANDIDO * Workshop de Claudio Caldini

2010-05-14T11:03:00.007-03:00

foto de Andrés di Tella

29, 30 y 31 de mayo de 2010
Sabado y domingo de 10 a 16 hs
Lunes de 9 a 12 hs
Costo $1.800 (mil ochocientos pesos uruguayos)
Descuento para estudiantes de la ECU y Ciencias de la Educación de la UDELAR.

“Tu película no está del todo hecha. La hace paulatinamente la mirada. Imágenes y sonidos en situación de espera y de reserva.” Robert Bresson

Este workshop plantea 3 jornadas de experimentación directa sobre diferentes soportes fílmicos: super 8, 16 y 35 mm. Se trabajará sobre metraje encontrado, planeamiento para una film performance, uso de diferentes proyectores para sincronizar y editar en vivo.
“Expandir el espacio del cine, llevar la imagen mas allá de sus limites espaciales”
Gene Youngblood.
Se redefinirán nuevas configuraciones para la estructura y duración de la performance cinematográfica y se propondrán modos de activar la receptividad del espectador.
Claudio Caldini es una referencia del cine experimental, pionero en Argentina junto a Narcisa Hirsch y Marie Louise Alemann.
Según palabras de Claudio Caldini : "Llevando la maquinaria al centro de la escena, el cineasta-operador presenta en tiempo real su trabajo en los rubros de editor, sonidista, músico o actor, o interactúa con artistas de otras disciplinas.
…Todas las corrientes del cine experimental son recreadas en un campo de acción escénica que valoriza lo espontáneo en la interacción de cuerpos, voces y técnica audiovisual".

Claudio Caldini
Buenos Aires, 1952.
Realizador de Cine Experimental y video, estudios en el Centro Experimental Cinematográfico del Instituto Nacional de Cinematografía, 1971. Seminarios con Alberto Fischerman (1977), Werner Nekes (1980) y Diego Lascano (1993) en el Instituto Goethe Buenos Aires; con Michel Chion (1996) en la Alianza Francesa Buenos Aires. Danza Contemporánea y audioperceptiva con Rolf Gelewsky (1978) en Salvador de Bahía, Brasil. Programación de sintetizadores con Jorge Haro (1989-90). Ha participado, desde 1970, en numerosos festivales nacionales e internacionales de cine experimental y video. Su película “El devenir de las piedras” recibió el 1° Premio de la 1° Semana de Cine Experimental de Madrid, (1991). El video “Heliografía” recibió el Gran Premio de la Muestra Franco-Latinoamericana de Video Arte (1994). Formó parte del jurado del Festival de Cine y Video de Arquitectura FADU 94 (Facultad de Arquitectura y Urbanismo; Carrera de Imagen y Sonido), VIDEO BA 95 (Feria de galerías de Arte BA) y del Festival de Video y Arte Digital del ICI (Instituto de Cooperación Iberoamericana) entre 1995 y 2001. Coordinador del área de cine en el Museo de Arte Moderno de Buenos Aires. En 1998 fue becario de Fundación Antorchas. Jurado del Festival de Cortometraje de Oberhausen en 2003.
+ info:
http://fotografiasdeandresditella.blogspot.com/2010/03/formatos-obsoletos-2.htm
http://eldevenirdelaspiedras.blogspot.com/2010/03/taller-del-vienes.html
http://www.livecinema.com.br/index.php?option=com_content&view=article&id=113&catid=37&Itemid=75&lang=en

PROGRAMA DE FORMACION PERMANENTE

2010-05-10T11:06:00.005-03:00

EL ARTE DE LO REAL Seminario de Verónica Cordeiro

Sábados desde el 29 de mayo de 10:00 a 13:00 hs

Costo total del seminario : $1.000 (mil pesos uruguayos)

Desde la década del 90 surge en las artes visuales un interés cada vez más comprometido con aspectos sociales, políticos y económicos de la realidad.
El crítico cultural Hal Foster previó esta tendencia en su célebre ensayo “El artista como etnógrafo”, texto que formará base integral de estos seminarios.

Este curso comprende 3 seminarios teóricos, en los cuales se estudiará el texto de Foster en profundidad, y se mostrará y analizará la obra visual y fílmica de artistas que abordan aspectos de la realidad, actual o histórica, a partir de diferentes perspectivas conceptuales y formales. Ejemplos incluyen artistas como Gillian Wearing (Inglaterra, 1963), investigadora de la relación entre subjetividad individual y plataforma social; Jeremy Deller (Inglaterra, 1966), autor de la célebre obra “La Batalla de Orgreave" (2001), recreación de la batalla que ocurrió durante la huelga de mineros británicos en 1984; Sophie Calle (Francia, 1953) que utiliza dispositivos de detective, psicólogo o forense en la elaboración estética de su encuentro con el otro; Douglas Gordon (Escocia, 1966) es más conocido por 24 Hour Psycho, obra en la cual dilata a una duración de 24 horas la película Psycho de Alfred Hitchcock y más recientemente por Zidane, largo-metraje en el cual filma apenas al jugador de futbol francés durante un juego de la Liga Real Madrid contra Villarreal CF en 2005; Cao Guimarães (Brasil, 1965) acompaña a ermitaños y otros seres aislados de los centros urbanos creando retratos fílmicos en los cuales funde su propia participación con el sujeto filmado y todo el entorno que le rodea.
La cuarta sección se dedicará a una clínica analítica donde se estudiarán proyectos existentes y otros en inicio de desarrollo, y se discutirán conclusiones de los seminarios en el contexto global y local de Montevideo/Uruguay y otras partes del mundo.

Verónica Cordeiro
(São Paulo, 1974. Licenciada en Historia del Arte y Cine (Edinburgh University, 1997), Master en Antropología Visual (Goldsmiths, University of London, 2007) y Research Fellow del Centre for Visual Anthropology de Goldsmiths College desde 2008.)

Procesando / Herramientas libres para la creación. Workshop de Enrique Aguerre

2010-05-03T12:49:00.002-03:00

Procesando
[Herramientas libres para la creación]
Enrique Aguerre

Temario:

Sábado 8 de mayo
- ¿Qué es el software Libre?
- Historia y manifiesto
- GNU/Linux
- Open Source

Sábado 15 de mayo
- Aplicaciones orientadas a la creación de imágenes,animación e interacción

Sábado 22 de mayo
- Programación para no programadores
Processing
OpenFrameworks
Pure Data
- Introducción a Python

Este curso apunta al desarrollo por parte de los asistentes de un pensamiento algorítmico
que permita pensar el arte desde otro lugar. Es una introducción al software libre; su historia
y principios filosóficos que cambiaron para siempre no solamente la informática sino la forma de
crear y compartir conocimiento.

Se estudiarán aplicaciones desarrolladas para el dibujo, modelado en 3D, sonido, animación y edición de video
libres y bajo licencia GPL (General Public License).

Y por último, se hará una introducción a los entornos de programación visuales con comunidades más importantes (Processing, OpenFrameworks y Pure Data)
así como al lenguaje Python.

workshop 16 mm B&N / 8 proyectos 8 cortos

2010-04-30T13:30:00.007-03:00

PROGRAMA DE FORMACION PERMANENTE DEL FAC Enrique Aguerre

2010-04-21T16:05:00.003-03:00

Sábados 8,15 y 22 de Mayo (de 10 a 12 hs)
Procesando [Herramientas libres para la creación]

Programar es algo demasiado importante para dejárselo solamente a los programadores -decía alguien- y es el objetivo de este taller familiarizar a los asistentes con conceptos básicos de programación que permitan la creación de imágenes, animaciones e interacción a través del código informático. Se utilizarán herramientas de software libre con código abierto y conjuntamente con el desarrollo de pequeñas aplicaciones por parte de los asistentes, podremos comprender mejor la creación colectiva que deriva del conocimiento producido por todos y compartido libremente.

Union Docs y Cinema Tropical presentan Archeology of the Image: Retrospectiva del cine experimental Uruguayo

2010-04-20T15:02:00.002-03:00

Domingo 11 de abril, 7:30 pm
322 Union Avenue, Brooklyn, NY

La artista, historiadora de cine y curadora uruguaya Ángela López Ruiz presenta “Arqueology of the Image”, una revisión de la historia cinematográfica uruguaya entre los años 20s y los 70s. La investigación de Ruiz realiza conexiones entre el cine y otras disciplinas durante la época moderna y cómo estas “páginas en blanco” han tenido su efecto en el pensamiento contemporáneo. El programa estará dividido en dos partes mostrando el cine experimental uruguayo; la primera observando cine histórico y la segunda piezas contemporáneas. A continuación habrá un panel de discusión con López Ruiz, Bill Brand y Mark Street.

López Ruiz también presentará el cortometraje de 1958 Color de Lidia García Millán, como parte del programa de finalización del Orphan Film Symposium la noche del Sábado 10 de abril “Around the World Time Travel Diary” (1897-2010)

Este programa fue posible gracias al generoso apoyo de
Fundación de Arte Contemporáneo and the National Image Archive -SODRE-.
Consulado General del Uruguay - New York

420 Madison Ave., 6th floor
New York, NY 10017
(212) 753 8581/8582 - (212) 753 8191/8192
fax (212) 753 1603
conuruyork@conuruyork.org

workshop de cine 16 mm b&n

2010-04-12T11:00:00.002-03:00

Este workshop plantea el acercamiento al formato cinematográfico 16mm desde la experiencia de rodaje.
Realización de un corto utilizando soporte original (cámaras a cuerda, fotómetros, tanquetas de revelado manual y proyector ).
La convocatoria esta dirigida a todas aquellas personas que quieran realizar un corto en 16mm de un minuto de duración, con iluminación natural, montaje en cámara, tomas 1/1 y revelado artesanal.
El laboratorio facilitara las herramientas para su realización (emulsión b/n, cámara, fotómetro, trípode, laboratorio de revelado artesanal, proyector 16mm, pantallas y orientación técnica).
Cada participante transitará por las diferentes etapas del cine artesanal , esta experiencia está orientada a estudiantes, artistas, cineastas e investigadores.
Selección previa de 8 proyectos.
Duración: 4 días, jornadas intensas en doble horario.
26,27,28 y 29 de abril.

consultas a fac@internet.com.uy o 598 2 916 6417

Libro de la Colección Engelman Ost "Arte contempòráneo uruguayo"

2010-04-03T13:10:00.003-03:00

El jueves 8 de abril a las 19;30m se presenta con el patrocinio del CCE, Centro Cultural de España "Arte contemporáneo uruguayo", libro que recopila ejemplos de obra de los artistas uruguayos del acervo de la Colección Engelman Ost. Es una oportunidad ineludible además para los que no conocen la sede de la Colección para acercarse a ver los 1.600 m2 de arte contemporáneo y emergente uruguayo.
El libro contiene textos de Fernando López Lage, Jacqueline Lacasa y Patricia Bentancur. Las fotos de obra son de Pablo Bielli y las de sala de Antonella de Ambroggi. El armado esuvo a cargo de Martín Fernandez y de Marcela Saborido. El diseño de tapa de Raúl Burguez y la traduccion de textos al inglés de Laura Vega.
La entrada es libre y además se proyectarán imagenes de los eventos de la Colección Engelman Ost desde su origen hasta nuestros días. La ambientación sonora y visual está a cargo de Jessie Young. Auspicia Cava Privada.

Programa de formación permanente en el fac.

2010-03-22T10:42:00.002-03:00

Programa de formación permanente

FECHAS DEL PRIMER SEMESTRE

Esta propuesta está dirigida a artistas, educadores, arquitectos, sociólogos, cineastas, críticos, curadores, filósofos, comunicadores, estudiantes, etc., propone herramientas para la producción teórica, un espacio donde profundizar proyectos personales y generar diálogos catalizadores entre los integrantes del grupo.
A través de diferentes disciplinas relacionadas al campo del arte, se plantea un seminario mensual que aborda diversas problemáticas y miradas.
Los participantes deberán presentar carta de interés sobre la cual se trabajará durante los seminarios.
Este espacio estará acompañado por un ciclo de conferencias y charlas con invitados: Lynne Sachs (USA), Paula Félix Didier (ARG), Cao Guimaraes (BR), Claudio Caldini (ARG) Eduardo Blasina (UY), Mark Street (USA). Las conferencias son con entrada libre.
El costo de cada uno de los seminarios es de $U1.000.
Se entregará certificado de asistencia.

Clio Bugel

Sábados 10, 17,24 y viernes 30 de Abril –
Clínica
Lectura, análisis de obra y desarrollo de proyectos

La clínica se desarrolla en dos franjas paralelas, con conexiones puntuales. Un texto opera como plataforma de discusión sobre las complejidades que surgen al tratar de definir el arte, a lo que se suma un análisis del contexto local contemporáneo. Simultáneamente, se analiza la obra de cada participante y se establecen puntos de partida para elaborar y luego desarrollar un proyecto - personal o colectivo – que conduzca a la producción de obra con plena conciencia del proceso creativo. Sábados a partir de las 10 hs

Enrique Aguerre
Sábados 8,15 y 22 de Mayo –
Procesando

[Herramientas libres para la creación]
Programar es algo demasiado importante para dejárselo solamente a los programadores -decía alguien- y es el objetivo de este taller familiarizar a los asistentes con conceptos básicos de programación que permitan la creación de imágenes, animaciones e interacción a través del código informático. Se utilizarán herramientas de software libre con código abierto y conjuntamente con el desarrollo de pequeñas aplicaciones por parte de los asistentes, podremos comprender mejor la creación colectiva que deriva del conocimiento producido por todos y compartido libremente.

Verónica Cordeiro

Sábado 29 de Mayo y 5,12, 26 de junio
El arte de lo real.

Desde los años 1990 empieza a surgir en las artes visuales un interés cada vez más comprometido con aspectos sociales, políticos y económicos de la realidad. El crítico cultural Hal Foster previó esta tendencia en su célebre ensayo “El artista como etnógrafo”, texto que formará base integral de estos seminarios. Con todas las transformaciones que trae al mundo el capitalismo globalizado, se van disipando los valores que hasta entonces clasificaban al artista visual como un genio único, dotado de dones especiales, (ej: Joseph Beuys). Toma el lugar del genio iluminado el artista sensibilizado por la realidad que lo rodea; este perfil de artista no se encierra en su taller y dispensa el mundo externo, al contrario, toma en cuenta todo el flujo de instancias que mueven el universo artístico: cuestiona el mercado, sus funcionamientos y negociaciones, e integra toda esta compleja red de conexiones en el propio proceso de pensamiento y creación de su obra. Se estudiará la mirada poética e individual de lo real a partir de ejemplos específicos de artistas contemporáneos, y y antropólogos visuales como Tim Ingold, Paul Stoller y Laura Marks, entre otros

Anabel Telles

Sabado 24,31 de Julio y 7 ,14 de Agosto –
Política afectiva
Para pensar la potencia de pensar/crear

En nuestros días, ciertos saberes y experiencias comienzan a provocar inquietud. Se nos ha vuelto imprescindible pensar de otro modo, problematizar los conceptos e ideas que constituyen nuestras teorías y prácticas. Por ello, nos proponemos, en este seminario, estimular un pensamiento crítico y creativo que posibilite un ejercicio conceptual en relación a las prácticas que realizan los integrantes del grupo. Es preciso, valorizar y clarificar ideas, realizar un ejercicio de pensamiento creativo que efectúe un hacer innovador. En el presente seminario trabajaremos en el sentido de estimular el despliegue de la potencia de pensar/crear singular y colectiva gracias al incentivo de una lectura actual de la filosofía de Spinoza. En la medida que ella elabora tanto una crítica de la lógica hegemónica como una apertura a nuevos modos de existencia al trazar las líneas para el despliegue de una política afectiva que abre la posibilidad de una vida singular y colectiva que afirma la producción/creación.

Virginia Villaplana
Sabado 21,28 de agosto y 2 de Setiembre
Working documents

Working Documents es un taller que explora, a través de la práctica artística, la generación de estrategias documentales de intervención crítica social.

Las líneas de trabajo que transitan Working Documents se extienden a las políticas de género y la identidad, a la traducción como mediación para problematizar los referentes históricos culturales, a la recepción de la imagen documental a través de los dispositivos de proyección relacional, a la performance como geografía simbólica y al agenciamiento, con una clara vocación colaborativa para construir imágenes públicas en comunidad.

Angela López Ruiz

Programa de Formación Permanente.

Hablo solo - Manuel Rodríguez en CCE Mvd - 16 marzo a las 19 hs

2010-03-12T10:02:00.005-03:00

Los propósitos de esta exposición del pintor y dibujante Manuel Rodríguez son múltiples. Se trata de mostrar la evolución de un artista joven y estudiar los senderos expresivos por los que transita en la actualidad. Al mismo tiempo,acercar al público las inquietudes de un representante del arte uruguayo emergente que cultiva técnicas tradicionales como el dibujo y la pintura,demostrando la vigencia de esos medios expresivos.

Manuel Rodríguez (San José, 1980). Vive en Montevideo desde 1998.Licenciado en Artes plásticas y visuales (ENBA) y miembro del FAC (Fundación de ArteContemporáneo). Dirige un taller en el Museo Departamental de San José.
Fue seleccionado para el “artist residence program by d”, (Zúrich, Suiza) y
premiado en el 53 Salón Nacional de Artes Visuales.
Alicia Haber Historiadora de arte, crítica de arte y curadora especializada en arte contemporáneo con particular énfasis en arte uruguayo, teoría del arte y museología virtual.
Inauguración / ambientación sonora: Federico Deutsch

Intimidad
Manuel Rodríguez: Mostrar y ocultar
Alicia Haber (extracto txt curatorial)
Manuel Rodríguez titula esta serie “Paisajes”. El vocablo puede dejar perplejo al espectador. Si entra a la sala de exposiciones del Centro Cultural de España esperando ver una muestra de paisajes, deberá acomodar sus pensamientos y ubicarse en otro territorio. La naturaleza, el campo, el mar, el cielo, las nubes, los ríos: todo lo que habitualmente se entiende por ese género no está presente en sus pinturas, dibujos y objetos. Sus “paisajes” son, en realidad, variadas formas de mirar y representar una cama doble, su lecho, el que comparte con su pareja.
Están realizados a partir de un interior e incluso el artista se concentra en un lugar muy privado. Y más aún, en un objeto de la mayor intimidad: su cama. Manuel Rodríguez elige moverse en la esfera de la vida privada, que integra parte sustancial del discurso del arte contemporáneo, en video, fotografía, grabado, dibujo, instalaciones, pinturas y todo tipo de medios expresivos, con diversas estrategias comunicativas, utilizando muchos materiales autobiográficos, como diarios, cartas, films familiares, objetos. En su caso, opta por medios tradicionales, dibujo y pintura, y encara temas específicos. Procesa esos elementosde manera artística y los comparte con el espectador.
Se centró en esta muestra en un tema muy revelador, un tema sustancial. Puede parecer un objeto trivial, pero es allí, en el lecho, donde transcurren horas y momentos significativos. Gran parte de nuestras vidas la pasamos en la cama. Ya para los niños es el lugar más familiar, que convoca descanso, sueños, miedos nocturnos y pesadillas, espacio que implica separarse de los padres pero, a la vez, territorio de la imaginación, donde los pequeños fabulan sus historias. Puede evocar el inicio y el fin, la vida, la muerte; allí se nace, allí se agoniza, allí se muere. Durante toda la vida, es un lugar múltiple de ausencias y presencias, encuentros y partidas, sueños y pesadillas, reposo y agitación, monólogo y diálogo, insomnio y descanso pacífico, fidelidad e infidelidad, ilusión y desilusión, unión y separación, compañía y soledad. Sexo y erotismo se asocian con su imagen. Es escenario de deseos, seducción, aislamiento, vicisitudes emocionales, relaciones personales, amores, angustias, fricciones. Allí se lleva a cabo la consumación de la alianza matrimonial. Para un enfermo es el escenario del dolor, la convalecencia o el diálogo entre vida y muerte. Y también tiene que ver con la vida más prosaica. Son diversas las historias vinculadas con este artefacto.
Manuel Rodríguez transmite, a través del lecho, vida, compañía, erotismo y cotidianidad. Sus camas están vacías, pero no hablan de soledad. Son habitables, se ven despejadas momentáneamente, pero muestran muchos signos de animación; no son inhóspitas ni están desamparadas. Son espacios plenos de signos de ocupación; han sido pobladas y colmadas hace muy poco y todo indica que volverán a serlo.
Esas señales son comunicadas por las sábanas y las almohadas, que nunca aparecen uniformes Tienen importantes huellas, marcas, indicios, quiebres, plegados, zonas transitadas y depresiones. Son indicadoras de vestigios de cuerpos, de juegos de presencias y ausencias y de acontecimientos. Contienen una historia, una evocación y un recuerdo aludido. Pletóricas de signos vitales, se exhiben palpitantes, intensas y vehementes. Hablan, revelan y connotan. A través de las ausencias, el artista representa las presencias.
Algunos efectos sugieren una cabeza, una parte de un cuerpo; se puede imaginar rostros, bocas, ojos, hombros. La representación de las almohadas indicaría trazas de dos cabezas, de dos seres humanos unidos. Otras veces hay alusiones a huellas de cuerpos que han estado allí hace muy poco; parece sentirse el pasado inmediato, tal vez minutos, segundos. Las formas insinúan un cuerpo bajo las sábanas, generando una figura. Se producen importantes sensaciones de relieve, hasta con vehemencia escultórica, sobresaliendo visualmente de la planimetría del lecho. Concavidades, convexidades, huecos, entrantes y salientes, prefiguran superficies suavemente maleables, flexibles, connotadoras de sensualidad, placer, erotismo, deleite y voluptuosidad. Determinados pliegues recuerdan elevaciones, conectando las referencias al cuerpo humano con la naturaleza.

Programa de formación permanente

2010-03-11T12:21:00.006-03:00

Programa de formación permanenteEsta propuesta está dirigida a artistas, educadores, arquitectos, sociólogos, cineastas, críticos, curadores, filósofos, comunicadores, estudiantes, etc., propone herramientas para la producción teórica, un espacio donde profundizar proyectos personales y generar diálogos catalizadores entre los integrantes del grupo.
A través de diferentes disciplinas relacionadas al campo del arte, se plantea un seminario mensual que aborda diversas problemáticas y miradas.
Los participantes deberán presentar carta de interés sobre la cual se trabajará durante los seminarios.
Este espacio estará acompañado por un ciclo de conferencias y charlas con invitados: Lynne Sachs (USA), Paula Félix Didier (ARG), Cao Guimaraes (BR), Claudio Caldini (ARG) Eduardo Blasina (UY), Mark Street (USA). Las conferencias son con entrada libre.
El costo de cada uno de los seminarios es de $U1.000.
Se entregará certificado de asistencia.

Clio Bugel
Abril 2010
Clínica
- Lectura, análisis de obra y desarrollo de proyectos

La clínica se desarrolla en dos franjas paralelas, con conexiones puntuales. Un texto opera como plataforma de discusión sobre las complejidades que surgen al tratar de definir el arte, a lo que se suma un análisis del contexto local contemporáneo. Simultáneamente, se analiza la obra de cada participante y se establecen puntos de partida para elaborar y luego desarrollar un proyecto - personal o colectivo – que conduzca a la producción de obra con plena conciencia del proceso creativo.

Virginia Villaplana
Mayo 2010
Working documents.
Working Documents es un taller que explora, a través de la práctica artística, la generación de estrategias documentales de intervención crítica social.
Las líneas de trabajo que transitan Working Documents se extienden a las políticas de género y la identidad, a la traducción como mediación para problematizar los referentes históricos culturales, a la recepción de la imagen documental a través de los dispositivos de proyección relacional, a la performance como geografía simbólica y al agenciamiento, con una clara vocación colaborativa para construir imágenes públicas en comunidad.

Verónica Cordeiro
Junio 2010
El arte de lo real.
Desde los años 1990 empieza a surgir en las artes visuales un interés cada vez más comprometido con aspectos sociales, políticos y económicos de la realidad. El crítico cultural Hal Foster previó esta tendencia en su célebre ensayo “El artista como etnógrafo”, texto que formará base integral de estos seminarios. Con todas las transformaciones que trae al mundo el capitalismo globalizado, se van disipando los valores que hasta entonces clasificaban al artista visual como un genio único, dotado de dones especiales, (ej: Joseph Beuys). Toma el lugar del genio iluminado el artista sensibilizado por la realidad que lo rodea; este perfil de artista no se encierra en su taller y dispensa el mundo externo, al contrario, toma en cuenta todo el flujo de instancias que mueven el universo artístico: cuestiona el mercado, sus funcionamientos y negociaciones, e integra toda esta compleja red de conexiones en el propio proceso de pensamiento y creación de su obra. Se estudiará la mirada poética e individual de lo real a partir de ejemplos específicos de artistas contemporáneos, y y antropólogos visuales como Tim Ingold, Paul Stoller y Laura Marks, entre otros

Enrique Aguerre
Julio de 2010.
Procesando
[Herramientas libres para la creación]
Programar es algo demasiado importante para dejárselo solamente a los programadores -decía alguien- y es el objetivo de este taller familiarizar a los asistentes con conceptos básicos de programación que permitan la creación de imágenes, animaciones e interacción a través del código informático. Se utilizarán herramientas de software libre con código abierto y conjuntamente con el desarrollo de pequeñas aplicaciones por parte de los asistentes, podremos comprender mejor la creación colectiva que deriva del conocimiento producido por todos y compartido libremente.

Anabel Telles
Agosto 2010
Política afectiva
Para pensar la potencia de pensar/crear
En nuestros días, ciertos saberes y experiencias comienzan a provocar inquietud. Se nos ha vuelto imprescindible pensar de otro modo, problematizar los conceptos e ideas que constituyen nuestras teorías y prácticas. Por ello, nos proponemos, en este seminario, estimular un pensamiento crítico y creativo que posibilite un ejercicio conceptual en relación a las prácticas que realizan los integrantes del grupo. Es preciso, valorizar y clarificar ideas, realizar un ejercicio de pensamiento creativo que efectúe un hacer innovador. En el presente seminario trabajaremos en el sentido de estimular el despliegue de la potencia de pensar/crear singular y colectiva gracias al incentivo de una lectura actual de la filosofía de Spinoza. En la medida que ella elabora tanto una crítica de la lógica hegemónica como una apertura a nuevos modos de existencia al trazar las líneas para el despliegue de una política afectiva que abre la posibilidad de una vida singular y colectiva que afirma la producción/creación.

Gachi Hasper
Septiembre de 2010
Visitas de estudio.
Visitas de estudios. La experiencia consiste en un diálogo privado con el artista frente a su obra. Este ejercicio de presentación del trabajo se profundiza con preguntas y observaciones que aparecen entre la obra y el discurso que se tiene sobre ella. Los participantes deben ser artistas en actividad sea cual fuese su soporte –video, foto, pintura, dibujo, instalaciones, etc.
Se revisa el período de los tres últimos años aproximadamente y en forma ideal se realiza en el espacio de trabajo de cada participante.

Jacqueline Lacasa
Octubre
La mala educación

Herramientas para comprender el arte y pensamiento contemporáneos. La idea es que a través del seminario se generen estrategias sobre pensamiento crítico y el posicionamiento de los agentes del campo frente a las prácticas actuales de producción. El seminario se basa en autores como: Barthes, Benjamín, Foster.

Santiago Tavella
Noviembre 2010
Arte y cultura de masas.
Un taller orientado a trabajar con elementos de la cultura de masas como materia prima para la creación y análisis del arte. Una interpretación práctica, un enfrentarse a cosas del cotidiano que se resignifican, se transforman en objeto de arte.

Por consultas e inscripciones 916 6417 - Juan carlos Gómez 1544 p.2

WATASHI Sergio Porro en el cme SUBTE.

2010-02-23T12:00:00.003-03:00

Universo “Watashi”
“Watashi” tiene un sistema particular en la composición de su iconografía, surge
de la paciente y larga investigación que ha llevado a cabo el artista plástico
Sergio Porro, desde hace más de quince años, quien ha basado su producción
en el pliegue común de la pintura clásica y la contemporánea, componiendo con
trazo impoluto la visualidad de sus creaciones.
Hacia fines de los años noventa su obra ya frecuentaba la búsqueda y el juego
conceptual enfocado hacia el mito y la tragedia. Surgiendo una iconografía que
destinada a los medios masivos de comunicación y consumo, se veía subvertida
en la desangrante imagen de un personaje de la serie infantil Teletubbies convertido
en mártir cercano a la figura de San Sebastián o la bella Blanca Nieves de la que
ironiza su pureza hasta encontrar en el personaje el erotismo y el sarcasmo.
De este modo se enfrenta al espectador a un mismo tiempo al embelesamiento
y a la brutal contradicción de las figuras que surgen de una mirada crítica, que a
través del contraste logra el desmantelamiento de los códigos de la imagen masiva.
En la serie de Snoopy, basada en el conocido personaje de Charles M. Schulz, Sergio
Porro reelaboraba la iconografía radicalizándola, llevando este personaje a La Muerte
de Marat o al Mito de Narciso, en definitiva a un espacio en donde la metáfora hace
visible una renovación del mito desde la contemporaneidad, revelando otra información
y habilitando al espectador a considerar otras posibles lecturas, parte de una
necesidad común a la pulsión de conocimiento intrínseco del ser humano.
La piedra de Rosetta
Con toda la iconografía contemporánea el artista alimenta una estrategia de sincretismo
cuya base viene de la pintura clásica, con maestros que pueden ir desde el
Bosco (Hieronymus Bosch) hasta Jacques Louis David de los cuales se desprende
el aura de la imagen que lejos de estar consustanciada con el entretenimiento
masivo del cual surge, adopta la dimensión del héroe o heroína clásica, aquel que
poseía los dotes idolatrados por su cultura, con habilidades que trascienden a las
humanas convirtiendo sus acciones en heroicas. En este mismo sentido el artista
genera lecturas que se vinculan con el lugar del mito, en donde el relato busca en su
transmisión la posibilidad de marcar el tiempo histórico dando una explicación a su
propia existencia.
Es de esta forma que Sergio Porro logra trabajar el acontecimiento y el devenir, une
conceptos de imágenes, procesa sus contenidos, crea un mundo al que todos pueden
acceder jugando con las posibilidades especulares de cada individuo. En tanto
lo especular remite a esa instancia en que la proyección como mecanismos del Yo
coloca al individuo ante el espejo de sus propios miedos, prejuicios y placeres, ante
su mundo privado y entonces lo lleva a elaborar la condición propia de lo universal
como territorios móviles de la imagen clásica, moderna y contemporánea en el
mundo público.
La puerta del universo
Con la obra “Tentaciones de San Antonio” se marca un cruce de fronteras en la iconografía
que atraviesa a toda la muestra “Watashi”. El personaje del monje egipcio que
dedico su vida a curar a los que fueron contagiados de cualquier peste incluyendo
las enfermedades de la piel o venéreas, portando una cruz en forma de Tau, fue tema
de la pintura religiosa encontrándose en muchos maestros desde el Bosco hasta
Dalí. Sergio Porro coloca la imagen de Snoopy como el personaje central al igual que
en obras anteriores, sin embargo la novedad está marcada por el personaje que
representa la tentación encarnado por el rostro de una figura femenina cuya potente
mirada esta contenida en fondos oscuros y amenazantes, propia del Animé.
La apropiación de esta iconografía del Animé será el objetivo de la investigación que
el artista realiza al dar lugar a estas formas de expresión de origen oriental dentro
de los códigos de las obras maestras, que hasta ahora venía poblando de personajes
masivos de la cultura occidental. Esta nueva vertiente ofrece posibilidades
expresivas a la estrategia del artista, principalmente para dotar de mayor fuerza al
mundo femenino que se venía representado en la obra del pintor, el que anteriormente
estaba marcado por los personajes dulces y edulcorados de las princesas de los
films de los Estudios Disney pero que ahora cobran la fuerza e incluso la seducción
del Animé.
“Watashi” denota una nueva lectura en donde el artista propone la continuidad de
su estilo en lo formal y en la composición impecable de la gestalt en el lienzo, pero
va más allá en la búsqueda conceptual de la figuración. De manera significativa
Sergio Porro configura un universo donde cada obra representa un espectro de
situaciones que transitan un vínculo profundo entre la vida y la muerte, Sergio Porro
trabaja profundamente en la reconstrucción de personajes cuyo “Yo” expandido y
transculturizado por momentos parece fragmentarse en un mundo paradójico y
demasiado humano.
Las fronteras estéticas entre el Animé japonés, el Manga y la estética Disney son
sin duda un elemento fundamental, un proceso de retroalimentación que comienza
a mediados del siglo XX si bien el Animé tiene sus inicios en el novecientos.
En la producción que genera el artista, las figuras femeninas también tienen las
características propias del Animé, cuerpos casi escultóricos, ojos delineados y
grandes de colores rosados, lilas, rojos o azules. Su ropa y movimientos tienen un
alto contenido erótico y el juego sincrético entre lo religioso y lo pagano, propio de
la hibridación ocurrida en Japón y en nuestros contextos Latinoamericanos, hechos
que sin duda son manifestados en la obra “Take on me” con la puesta en escena de
cercana dimensión de las películas de Quentin Tarantino.
En este sentido la sangre que se derrama sobre el labio inferior de una joven y cuyo
líquido cae sobre una pequeña ardilla, las manos abiertas ofreciendo el sacrifico,
mientras que una niña de mirada inquisidora amenazante desde un contexto oscuro
escudriña con perfecta presencia mientras sostiene entre sus palmas abiertas
un pajarillo muerto, son la fuerza progresiva que pone al espectador en estado de
alerta, en la ambivalencia de la pulsión de Eros y Tánatos.
Una joven delicada en su fisonomía delgada y de mirada enigmática sostiene un
pájaro rojo pequeño y frágil, mientras otra joven derrama el rimel de sus pestañas
hacia sus labios provocativos rojos y amenazantes, los pájaros que sobrevuelan
estas figuras parecen ser cómplices de los personajes de este mundo y los heraldos
hacedores de información.
Un ser pálido vestido de negro y cara longilínea presenta en sus manos un gatito de
ojos azules, cuyos ojos humanizados parecen compartir códigos con quien lo sostiene,
como los grupos de Emos en su estética con relación a la música y a su posición frente
a la sociedad, a su vez la oscuridad de ambos genera una cierta impavidez que al instante
se transforma en la necesidad de observar a ese ser extraño, surge la posibilidad
o negación del prejuicio con respecto a un Otro diferente, enigma y estigma como
partes de los infinitos pliegues que presenta esta serie.
En este universo la alusión a la iconografía religiosa de la corriente más clásica de la
pintura se hace presente a través de los estigmas, que en la iconografía religiosa se
representan como las marcas de aquellos devotos cristianos similares a las recibidas
en el momento de la crucifixión.
El vínculo que el artista establece en la organización de sus personajes ejerce un
estímulo provocado desde las tramas del animé siguiendo el juego de influencias como
se planteaba de la estética Disney. Tal es el caso de dos de las obras en las que con la
misma referencia a la bella princesa Salomé que se relaciona con la muerte de Juan el
Bautista, con la obra “Salomé School” Sergio Porro retoma el tradicional relato de Salomé
cuya madre es hostigada por San Juan Bautista por ser amante de Herodes siendo
esposa de Filipo, la historia acaba con Salomé bailando para el Rey y pidiendo como
recompensa la cabeza de San Juan el Bautista.
En la obra “San Sebastián”, el artista crea una imagen con dos jóvenes que se abrazan
con sus cuerpos sangrando en donde se han clavado flechas, que se vinculan con la
historia de San Sebastián el protector de las pestes que siendo herido por una promovía
la idea de que en las flechas se propagaban las pestes. Sin duda la referencia siempre
presente al pintor renacentista Andrea Mantenga, que pintara las tres obras iniciativas
correspondientes al Renacimiento Italiano entre el 1456 y 1490, sobre el sacrificio de
San Sebastián. Esta obra sorprende porque pone de manifiesto la vulnerabilidad de las
elecciones humanas y su finitud.
En la obra “Alicia”, referida al personaje creado por Lewis Carroll en su celebre novela
“Alicia en el país de las maravillas” que fuera llevada al cine por los estudios Disney,
juega con el erotismo del Animé y propone una vuelta sutil e irónica con respecto a la
forma en que se presenta el personaje de Alicia y el Gato de Cheshire, aquel personaje
que posee los dotes de aparecer y desaparecer cuando lo desea. Él es el que se encarga
de entretener a Alicia y también de poner de manifiesto el discurso filosófico, así como
de salvar su vida cuando es mandada a decapitar. La sonrisa del gato, posado sobre la
cadera y el brazo de Alicia, se presenta como artífice de cierta perversión y erotismo, no
dejando de lado el sarcasmo propio de los personajes.

Extracto texto curatorial Lic. Jacqueline Lacasa

Laboratorio de cine 16 mm. Workshop en San Javier España a cargo de Guillermo Zabaleta.

2010-02-18T09:23:00.003-03:00

El Laboratorio de Cine Artesanal 16mm del fac, retoma la antigua tradición del cine experimental de la ciudad de Montevideo e intenta expandir el soporte en lugares donde considera que cumplirá el mismo objetivo ético político.
La propuesta apunta a multiplicar estos espacios (laboratorios de cine) generando colectivos de artistas que retoma el soporte 16mm y subvierte la cadena de distribución comercial, creando así una nueva forma de producción y economía frente a la industria del cine.
Desarrollando así una red alternativa que pone en crisis la del cine industrial, creando nuevos espacios de exhibición, interactuando más con un público ávido de ver y contemplar la realidad que nos rodea desde un punto diferente al hegemónico.
Nuestra propuesta es implementar un Workshop de Cine hecho a mano- “Un Minuto de Cine” y "Cine encontrado" que permita iniciar al manejo del soporte 16mm como forma de potenciar la investigación fílmica.
laboratorio de cine-fac tiene una formación permanente diferenciada de acuerdo al grado de exigencia de cada emprendimiento, donde el mismo se traslada para la articulación de cada una de sus propuestas formativas , ya sean colectivos, organizaciones o instituciones.

El Festival Imagina 2010 en San Javier, Murcia , España ,invito a la fundacion a participar en su programa anual formativo con su laboratorio de cine. Donde se dictaron dos talleres de Cine Artesanal, monitoreados por Guillermo Zabaleta "Un Minuto de Cine 16mm" 15 cortos de 1" de duración y "Cine Encontrado" de corto experimental con metraje encontrado de 8",creación de una célula de laboratorio permanente .Tubo una convocatoria nacional con participantes de Madrid, Barcelona, Tarragona, Córdoba e internacional de Italia y Portugal, ambas experiencias se exhibieron en: El Laboratorio de Arte Joven (Lab) Murcia), Museo del Teatro Romano, Cartagena y Refugio de la Guerra Civil Española, Cartagena. Esta experiencia contó con el auspicio del LAB en Murcia y de Tresorg.
La idea de estos talleres no es solo la producción ,sino el comienzo de diferentes proyectos artísticos que toman el soporte fílmico como medio de expresión, así como también la creación de una red nacional de filmmakers que colectivizarán una plataforma nacional de donde devendrán nuevos circuitos de exhibición, nuevas células de laboratorios, nuevos espacios para filmsperformance, reconocimiento del cine experimental y de home movie en festivales nacionales, creación de colectivos experimentales y un cine fermental de creación.

Meeting Point, arte, investigacion, documentación, Bs As , Montevideo, Santiago, Valparaiso.

2010-01-18T11:06:00.004-03:00

fac en la Fundacion Memorial de America Latina, Sao Paulo Brasil. Graphias se assim somos que assim sejamos /Curaduría Saulo di Tarso

2009-12-15T14:28:00.003-03:00

Danilo Volpato - 75 vueltas el sabado 5 de diciembre al mediodia en el fac

2009-12-02T12:43:00.003-03:00

75 vueltas

las fotos son de antonella de ambroggi

El proyecto de fac residencias es un nuevo dispositivo, un agente del campo del arte en Montevideo. Es una plataforma que desarrolla estrategias y procesos. Una plataforma que cuestiona la mirada hegemónica local.
El artista residente como dice Marti Perán es un artista “parachute”, es el paracaidista que apenas reconoce el territorio y a partir de ese aterrizaje, comienza a interaccionar con el medio. El proyecto de residencias es por lo tanto un espacio político de acción; prepara desde esa plataforma y opera incluso más allá del tiempo de duración de la residencia.
El artista residente amplifica la idea del contexto, y construye una mirada diferente sobre nosotros mismos.
Las residencias no pueden ser anquilosadas, la dinámica plantea una continuidad de un proyecto a otro. En el caso de el proyecto desarrollado por Patricio Gil Flood y Paulina Silva Hauyón (Argentina y Chile respectivamente), hubo elementos e ideas que rondaron fuertemente su exhibición y que se conectan con la residencia de Danilo Volpato (Brasil).
Una de ellas es la de encontrar piezas en las ferias o en el entorno de la ciudad, que utilizaron como soportes para desarmar y volver a ubicar. Transcribieron diálogos de películas de culto para visitar todo lo que transcurre en la narración, según sus palabras.
Danilo Volpato pensó una propuesta más que un proyecto y eso definió su selección como artista residente.
A partir de la película 25 watts , entiende que esa forma de hacer cine, es lo que necesita para desarrollar su proyecto artístico. Sin pretensiones, independiente y sutil, relacionando un tema específico que es la relación de un grupo de amigos en una ciudad. Los lugares que aparecen en la película 25 watts iban a ser en primera instancia las locaciones que Volpato recorrería.
Un recorrido de ficción que fue aplanado por la realidad de su viaje a Montevideo y también al conocer el fac y sus artistas y relacionarse.
Volpato es absorbido por ese contexto singular y a partir de eso subvierte su idea original y piensa en la forma de hacer una “película” entre amigos, desarrollar una trama, un guión sin llegar a filmarlo. La película fue un motivador en el comienzo y se transforma para ser una excusa en el proceso de su obra.
Graziela 12 – 12 Desde Sao Paulo, DV pensaba su residencia en Montevideo y su hermano menor que ya había conocido Montevideo le recomienda visitar la escollera Sarandí. Todo indicaba que era un lugar ineludible, por las recomendaciones y por las imágenes encontradas por DV en Internet.
Danilo decide al segundo día de estar acá comprar una bicicleta usada al ver que la ciudad permitía su uso de manera fácil.
Sebastián Sáez (integrante del fac) fue decisivo en el momento de salir en bicicleta a hacer el recorrido. En poco tiempo Danilo conocía perfectamente los lugares de Montevideo. Además esa bicicleta Graziela modelo setentoso tardío decide usarla como soporte para producir un rodado que posee un dispositivo de lámparas. El aparato se utiliza para recorrer la escollera e ir encendiendo las bombitas de a poco en el recorrido hacia la punta de la escollera (punto de destello mayor) para después ir apagándose lentamente en la vuelta (punto de destello menor). Así homenajea a la película que fue su referencia y utiliza sus recursos, pero más los vinculados con la producción, con el carácter indie, con la forma de gestionar un proyecto, que con la trama.
La bicicleta invita al público a una singular experiencia: una manera de pensar la ciudad con la línea del mar como horizonte. La escollera es un apéndice de la ciudad que desemboca en el mar. La luz durante el recorrido, potencia la escollera como una experiencia extra cotidiana. Un ritual compartido.
Diarios 26 DV tiene una importante trayectoria como dibujante y su obra se ha expuesto en diferentes ciudades. Utiliza el dibujo en lugares específicos de la ciudad y como una forma de expansión de la técnica.
La frontera donde Volpato genera su obra es en la memoria de la ciudad, entre las capas de información de esta. El dibujo es el medio que utiliza y lo subvierte desde la forma, lo expande hacia el site specific, la intervención urbana, o la instalación como en el caso que nos ocupa. Así su obra va generando palimpsestos, gestos y borradores donde le agrega su impronta al soporte.
Diarios 26 es una instalación, otro dibujo en el campo expandido realizado sobre papel de embalar azul, esos rollos de papel de las tiendas o de las camillas de los sanatorios.
DV rescata ese papel por la tonalidad, el color desteñido, su uso tiene que ver con el proceso de sus trabajos anteriores, una solución pictórica.
Una instalación que parte del dibujo de los listones de madera del piso de la habitación, barras paralelas de tinta china en la sala.
El techo de la sala presenta una trama de papel de diarios del día 26 de noviembre, día en el que los diarios comentaban los resultados de las elecciones nacionales en Uruguay, y más específicamente, el plebiscito para la anulación de la Ley de caducidad , que finalmente no alcanzó los votos necesarios para que sucediera. El malestar, el enojo, la frustración de la gente, incide en la mirada de Danilo sobre la política local.
El techo de papel pasa a ser una trama de periódicos, a los que pinta con pintura blanca de pared dejando sus bordes libres. El techo de la sala, es también un techo metafórico sobre el tema de la justicia y los derechos humanos en Uruguay. Los diarios que anuncian el resultado electoral se convierten en un borrador, con pintura blanca que apenas lo cubre, como una mano que intenta tapar el sol.
Una hamaca paraguaya roja cruza la habitación. Un elemento escultórico y pictórico que remite al descanso, a la siesta y que por otra parte es un elemento relacionador de las partes.
Falso problema re- salado En el piso y sobre el papel de embalar azul, presenta una bola de sal. Una piedra de sal sobre el piso en contraposición, con el piso y el techo, una esfera condensada.
Una caja de los radiadores de calefacción de la sala está intervenida con iluminación que proyecta la trama de la tapa del radiador.
Historia de la subversión Esta obra site specific hace referencia a aquellas nefastas publicaciones de la dictadura sobre estrategias militares una vergonzante apología de sus perversos mecanismos de represión y tortura.
Toda la instalación en la sala presenta estas islas conceptuales que por sí mismas tienen un sentido único, pero lo notable es como DV hace que la relación entre ellas se potencie, en un discurso claro de su pasaje por Montevideo en una fecha histórica determinante para el Uruguay.
Esa inter- relación de las mini instalaciones también es una metáfora de la residencia de artista, del artista paracaidista que nombro al principio del texto.
Cada una de ellas también es una lectura, un encontronazo, una identificación con lo que pasa en el contexto.
Falso bólide para Helio y Heráclito En la sala segunda de la exposición Danilo interviene otra de las cajas de la calefacción de la sala, pero esta vez haciendo una referencia y homenaje a Helio Oiticia y a Heráclito. Durante su estadía en la residencia del fac Volpato se entera del suceso catastrófico que fue el incendio del archivo de Helio Oiticica , artista fundamental del Brasil contemporáneo. Más de dos mil obras y documentos de inestimable valor se incendiaron por completo en la ciudad Río de Janeiro. Danilo realiza un ritual performático, en el que mediante una invitación el 23 de octubre de 2009, se hacía una quema de obras en la estufa de la casa de los residentes. En esa invitación escribe: “ Siete días después de la segunda muerte consumada de ese gran artista antiartista, muerto en vida por ultima vez (un artista sabe que tiene que morir muchas veces en vida) en 1980, y que el pasado viernes a las diez de la noche sufrió el incidente fatal que incineró e hizo en cenizas el 95% de su vasta obra, esa si, que era su vida, la verdadera, tan presente en la vida de mucha gente y en la obra de muchos artistas en brasil y en el mundo, lo que nos deja la sensación de que ese incidente si fue la verdadera muerte, o asesinato, del artista, haremos esa especie de anárquica y mística misa de séptimo día, un ritual antropofágico de cremación a la Heráclito de Éfeso. Así ese ritual transcurría, mientras se proyectaban los filmes de Iván Cardoso “H.O” de 1979 y “Heliorama” de 1985.
Esta idea vinculada con el fuego, también involucra a Heráclito, filósofo físico que sugería que el mundo procedía de un principio natural como el fuego. Esta metáfora refiere al principio de movimiento y cambio constante, esa movilidad se da por el devenir de los contrarios. La contradicción es el origen de las cosas y asi es como DV rescata y contextualiza esta idea del origen del mundo y de las cosas junto a la quema del archivo de uno de los más importantes artistas del Brasil. Todo vuelve al fuego. Antes de su partida Danilo va a tirar al mar esas cenizas, junto a la bola de de sal.
78 rotaciones Un site specific, una estación de audio, ubica un tocadiscos de los años setenta, esos de pata cónica, con discos de pasta de tango, rock, música brasilera, canto popular y un cd player del disco de Jards Macalé al costado, el disco contiene la canción 78 rotaciones. El espectador interactúa, escucha. El tocadiscos fue encontrado por Aldo Baroffio (integrante del fac) en un remate, y se convirtió en un elemento protagónico durante la estadía de Volpato, se usó en reuniones, comidas, y ahora como parte de la muestra.
Los números también son parte de la idea de DV en esta muestra, pues desde 25 watts y las 25 bombitas, y 26 la fecha tras el día de las elecciones, entre otros conforman una suma, un ritual privado de Danilo, que finalmente abre esta exhibición como un número mágico que la nombra: 75 rotaciones.

Fernando López Lage

Festival de cinemas differents de Paris / laboratorio de cine fac

2009-11-27T09:34:00.002-03:00

La seleccion de cortos 16 mm para el Festival: Canto IV de Angela López, Elegbé de Guillermo Zabaleta, La cadena de Javier Vallarino, El jardin de las virtudes de Anibal Conde y Lucía Ferreira y Ultimos brillos de Macarena Cordiviola

Pour cette 11ème édition, le Festival des Cinémas Différents de Paris présente 109 œuvres en provenance de 18 pays, réparties sur onze programmes internationaux, élaborés à partir de 500 films reçus autour de deux thématiques.
La première interroge les textures argentiques au regard des matières numériques. Le cinéma expérimental a souvent utilisé la structure des matières qui le compose comme sujet ou comme idée directrice de ses projets. Il en est de même pour l’art vidéo, souvent consacré à une recherche formelle, sur ses propres structures. Les cinéastes et vidéastes expérimentaux disposent de nos jours d’un vaste champ de possibilités et peuvent créer leurs images en bénéficiant de l’évolution et de la diversité des supports, de l’argentique à l’électronique, de l’analogique au numérique, du cinéma aux nouveaux média. Notre objectif est ici de rendre compte d’une manière de faire, d’une manière de voir, en présentant les images d’artistes qui mettent à profit la diversité des média et/ou leur hybridation. La thématique se retrouve au cœur de trois séances ayant pour fils conducteurs les Expériences Paranormales, les Abstractions et le Found Footage. Elle sera également présente dans les trajectoires consacrées à l’allemande Christina von Greve et à l’autrichien Siegfried Fruhauf ainsi que la séance monographique consacrée à la cinéaste argentine Narcisa Hirsch et dans les différentes performances d’ouverture (Pays sans nom) et de clôture (Ornamental Films) et les installations (Marie Sochor, Silvi Simon et Neil Ira Needleman) du festival.
Le deuxième axe thématique nous emmène en Amérique Latine, du Mexique jusqu’au cône sud. Cette programmation ose faire fi des frontières administratives pour montrer que les idées véhiculées par les images en mouvement circulent sans tenir compte des clichés et instaurer une rencontre interculturelle entre cinéastes et spectateurs. Les artistes, cinéastes ou vidéastes représentés cherchent à révéler la face cachée du cinéma latino-américain, loin des dictats politiques et sociaux de leurs pays d’origine, comme en témoignent trois séances thématiques : Incantations du Réalisme Magique, Chronique d’une émergence annoncée... et Kaléidoscope Argentine ainsi que l’hommage rendu par le festival à Raymonde Carasco avec la projection de Ciguri - Tarahumaras 99 - Le dernier Chaman.
Le festival propose par ailleurs le vendredi 11 décembre une carte blanche aux artistes Silvia Maglioni et Graeme Thomson, intitulée « Au-delà de l’image-temps », partie prenante de leur exposition Blown up ! à Mains d’Œuvres. Un workshop et deux films sélectionnés par leurs soins seront proposés, aux côtés leur propre film intitulé Facs of Life.
Cette édition 2009 vous invite à emprunter des sentiers lointains et peu connus, autant plastiques que géographiques. Pensez à prendre votre billet et bon voyage !

Angélica Cuevas Portilla et Gabrielle Reiner

http://www.cjcinema.org/pages/programme_festival.pdf

Seminario de Richard Martel

2009-11-23T10:24:00.000-03:00

1 y 2 de Diciembre de 18 a 21:30 hs

Temas:
-Historia del Arte de Acción.
-Teoria de la Presencia
-Ejercicios Prácticos

-Información sobre la escena performática
-Situación y Contexto.
-El cuerpo en el Espacio
-Respuesta a preguntas de los participantes.

Costo :$U 1.000 (mil pesos uruguayos)
Informes e Inscripciones:
9166417
fac16mm@internet.com.uy

Acerca de Richard Martel:
Artista multidisciplinario nacido en Quebec, Canadá.

Se dedica a las instalaciones, la performance y la radio.

También es escritor, editor, organizador de encuentros, profesor y coordinador de Le Lieu (Centro de Arte Actual).

Miembro fundador de las ediciones Intervention. Comprometido en la teoría y la práctica, toma el arte como un sistema de experimentación y trasgresión, una actitud de comportamiento poético.

Jessie Young en la Colección Engelman Ost

2009-11-17T08:11:00.005-03:00

La naturaleza de la ficción

Young describe la realidad como la niebla, un efecto, una percepción deformada de la realidad, una realidad que contiene estados alterados.
En las obras se observan mundos precarios, con una capa en la superficie, estética pura, que los coloca en un lugar de apariencia calma, donde subyace y genera tensión la ansiedad que provoca lo imprevisto, esa niebla que entredeja ver algunas cosas que no queremos ver.
Las capas de la memoria generan este escenario onírico, tras la superficie, tras los disfraces, tras los paréntesis. Mario Levrero decía que escribir entre paréntesis le generaba ansiedad por el temor a olvidarse de cerrarlos. En ese terreno es donde Young hace que transcurran los eventos, un territorio en movimiento, una accionar entre paréntesis difusos.
La ilusión, la fantasía y realidad confluyen, produciendo un efecto residual por donde transitan personajes inestables, frágiles, fragmentados, disfrazados, miméticos, seres que sufren la apatía de la memoria.
La obra de JY es una reflexión sobre lo que subyace, sobre lo indescifrable.
“El resultado de todo es como un collage de percepciones, elementos sobrenaturales, un contexto hiperrealista que de alguna manera emerge en ese total que se conforma en cada imagen” .
El lenguaje que utiliza, donde conviven la iconografía infantil (como los personajes disfrazados de peluche) junto a la niña protagonista, traspasa lo natural, como una ilustración de un cuento. El susurro de los árboles se percibe pero queda fuera del lenguaje de las fotos, de ahí la idea de lo sobrenatural, el lenguaje está más allá de lo verbal y de la imagen, agregándole así nuevas dimensiones a la imagen global.
Los terrenos son simbólicos y reales a la vez, JY coloca en el mismo lugar los contenidos y las formas, las ideas y la estética, las identidades, las máscaras y nos hace compartir ese tiempo y espacio entre lo aparente y lo real.
La naturaleza de la ficción, lo inenarrable, son sucesos que están en los intersticios de la memoria y la artista sabe y maneja esos códigos.

SShhh” : el efecto residual
Este corto muestra a dos jóvenes que se comunican por teléfono el robo de una bicicleta. Los protagonistas aparecen sin sus remeras, marcando así la cotidianeidad del hecho; JY los coloca en un mundo privado donde la
charla es espontánea, sin crispamientos y en tiempo real. Nada de lo que sucede es fundamental, la pared blanca que encuadra a los actores tiene las mismas huellas de identificación e información que lo que está sucediendo.
Se ve esa realidad sin pátina, la fragmentación de ese mundo precario y hecho pedazos por cosas que no se nombran pero que todos conocemos, esas cosas que están tras la niebla.
La presentación de la obra en una instalación donde cada uno de los protagonistas se ve desde una proyección independiente, Young desnaturaliza así la charla y nos muestra a ambos personajes en simultáneo.
El audio (bajo la charla se escucha un demo de la banda Fiesta Animal) y el fisic du rol de los actores, marcan también la fragmentación, la juventud, nos acerca a una franja etaria con sus propios códigos de tribu.
Un escenario quieto donde la memoria disfraza las vivencias, donde los recuerdos falsos conviven con los verdaderos, una especie de sueño conciente, un borde entre la interpretación de los sueños y la interpretación de la realidad, donde los disfraces y las máscaras, se resignifican bajo una apariencia de normalidad.
“Los convencionalismos que nos protegen en ese mundo en aparente equilibrio, intento romperlos evocando elementos del imaginario infantil, un mundo de fantasía, un entorno sumamente naif que evita todo tipo de choque pero pretende un efecto residual en la memoria. ”

<It´s a vague territory

La serie de fotografías revelan desde otro punto de vista la tensión y lo inasible.
La calma antes de la tormenta. Es una tensión parecida a la que plantea Kubrik a través del niño en The Shinning , cuando recorre los pasillos del hotel en su triciclo y lo que no se ve, se supone aterrador.
Los personajes de las fotos son una niña encantadora (que aparece en el corto Ground for Dovorce I), el paisaje neutro y a la vez natural, y el personaje adulto disfrazado. Es posible que cada uno de esos íconos sean el mismo, la autora y sus alter egos. El adulto disfrazado de las fotos es ambiguamente amenazador y naif, es un ser que evolucionó y se maneja mal.
Así vemos como la niña se proyecta o como el adulto se recuerda, en un territorio vago. Gillian Wearing dice en una entrevista, que no recuerda exactamente cuando sus padres se separaron, porque hubo un tiempo en el que su padre vivía en cualquier lado, en las casas de otras mujeres afirmando
“It’s a vague territory”. Las fotografías de JY plantean un acto reflexivo, que nos hace cómplices pero no nos da ningún dato a pesar de la destreza técnica. En esta serie todo subyace bajo la superficie de la foto e inteligentemente nos invita a pensar micro historias. La fotografía sirve para alejar la realidad temporalmente y así, como dice Susan Sontag transforma el presente en pasado. El distanciamiento alcanzado permite a su vez una elaboración de las pérdidas, revelar como en estas fotos los diferentes estadios de un personaje-niña-mono-elefante, que no es más que un personaje único, que celebra de todas formas el paso del tiempo.
Las fotografías son un modo de certificar la experiencia, también son un modo de rechazarla: al limitar la experiencia a una búsqueda de lo fotogénico, al convertir la experiencia en una imagen, un souvenir .

Ground for divorce I
La niña protagonista de la exhibición aparece vestida con el uniforme, segura y confiada, en el parque de su colegio. La sensación transmitida es calma, lúdica y de ensueño, a la vez potenciada por la pátina dorada de la luz (que aparece también en las fotografías), una luz que lo tiñe todo.
Este elemento es importante a destacar porque plantea una situación que sucede o bien en el mismo momento o muy próximo a ese momento.
La niña come lentamente un chicle de frutilla de gran tamaño, gigante, apenas puede tomarlo con sus manos. No puede resistir la tentación cuando ve ese objeto, y lo muerde. ¿Hasta dónde esa niña es capaz de sostener el chicle, icono de los placeres de la infancia, comerlo en ese entorno paisajístico ideal y vacío? Paradójicamente el acto de comer el chicle muestra una liberación a través del goce que contradice el perfil que presenta la niña. El chicle es su válvula de escape, un acto lujurioso donde está puesta toda la libido.
Ese mundo aparentemente sublime de la niña en el parque bajo la luz dorada se hace añicos en la segunda parte del díptico.

“Ground for divorce II“
“La percepción de un acto doloroso, es un acto de entrega, es una acto de desintegración psíquica. Por eso somos cuidadosos en la selección y en los alcances de nuestra percepción. Ciegos porque no queremos ver porque sabemos, o creemos, que no tenemos la fuerza necesaria para cambiar todo” El personaje de la niña intenta ser adulto, pero no logra del todo comprender cómo, intenta en el proceso mimetizarse, pero se pierde y no logra del todo entender. En esta parte de la instalación, se proyecta un corto donde aparecen tres personajes en un sillón mirando hacia la nada.
Mascan el mismo chicle, ensimismados, en un acto automático y sin esperanza, un acto infantilista en el que se chorrean el jugo de la golosina en un estado de anhedonia, una falta de reactividad al estímulo placentero que implica el comer el chicle. Los personajes sufren de spleen, una apatía crónica, un desgano vital que no es necesariamente pesimista, listos para ser catapultados a los paraísos artificiales. Una alienación íntima, el sí mismo y la nada se confunden, aunque esto no los conduzca necesariamente a la inacción o falta de compromiso con la vida.

Fernando López Lage

Todas las fotos by Adri.

"OIGO VOCES" Mario Flecha presenta "Los vendedores de humo"

2009-11-15T19:32:00.001-03:00

Mario Flecha vive en Londres desde 1975, es artesano, editor, escritor y organizador de exhibiciones de arte contemporáneo.
Edita el Bastón Blanco, libro de textos de artistas, desde 2004 y fue editor de Untitled contemporary art, desde 1993 hasta 2007.

"Los Vendedores de Humo"
"El libro,fue imaginado miéntras estaba trabajando con Francis Alys. El había sido invitado por David Torres a presentar una obra en la Caixa de Barcelona y estaba en el proceso de crear una instalación extraordinaria que es hoy parte del patrimonio de la Tate Gallery de Londres .
Mi tarea era sacar algunas fotos que el luego utilizaría en su trabajo. Paseabamos conversando por Hyde Park , le mencioné que había escrito un cuento sobre un Trapecista, en realidad era una idea que solo la había esbozado en algun papel dormido en mi oficina.Él me pidió que se lo envíe cuando lo termine cosa que hice algunas semanas más tarde.Para mi gran placer el texto fue parte de la instalacion en la Caixa en Barcelona.

Esto me dió la confidencia necesaria para concebir la idea de escribir otras ficciones, así se fue formando el grupo de cuentos de este libro."
Mario Flecha

Fotograma en el fac. Guillermo Zabaleta y Cristina Casabó

2009-11-12T09:02:00.003-03:00

Sabado 14 de noviembre a las 10:00 en el fac Juan Carlos Gómez 1544 piso 2.

El laboratorio de cine artesanal 16 mm del fac es un espacio de investigación que facilita herramientas de experimentación para la imagen cinematográfica analógica, el soporte 16mm y los films encontrados. La idea es la de subvertir a partir del proceso, rescatar la tecnología obsoleta y recurrir, si es necesario, a instancias de post producción digital, pero manteniendo el mismo objetivo ético y político. Esta muestra presenta dos estrategias diferentes que rescatan el archivo desde diferentes puntos de vista.
Por un lado Guillermo Zabaleta trabaja sobre un film que encontró en la calle, una copia 35 mm del “Gran Torino” de Clint Eastwood, que utiliza como soporte para intervenir directamente con diferentes materiales. De esta manera afecta el relato original creando una microhistoria a partir de la abstracción de las imágenes originales. Resignifica la película original, más allá del guión, más allá del cine como experiencia industrial. Zabaleta rescata el concepto Eastwood- Hollywood-industria-distribuciónproducción, para mostrarlo desde su propia óptica. Politiza desde la experimentación, interviene este circuito. Cristina Casabó presenta una obra de expanded cinema: dos proyectores que muestran un registro de la asunción del presidente Terra perteneciente a su archivo familiar, y por otro lado un segmento restaurado y copiado en 16mm de un momento privado en ese mismo tiempo histórico. Un diálogo público-privado que singulariza un momento de la historia uruguaya. conformando así la diversidad de nuestra herencia. El rescate de filmaciones familiares conforma este archivo “Home movie”, nuestra memoria personal y colectiva.
Fernando López Lage.

Jessie Young en la Colección Engelman Ost * 12 de noviembre a las 19:30

2009-11-05T09:10:00.007-03:00

Jessie Young
La naturaleza de la ficción

Young describe la realidad como la niebla, un efecto, una percepción deformada de la realidad, una realidad que contiene estados alterados.
En las obras se observan mundos precarios, con una capa en la superficie, estética pura, que los coloca en un lugar de apariencia calma, donde subyace y genera tensión la ansiedad que provoca lo imprevisto, esa niebla que entredeja ver algunas cosas que no queremos ver.
Las capas de la memoria generan este escenario onírico, tras la superficie, tras los disfraces, tras los paréntesis. Mario Levrero decía que escribir entre paréntesis le generaba ansiedad por el temor a olvidarse de cerrarlos. En ese terreno es donde Young hace que transcurran los eventos, un territorio en movimiento, una accionar entre paréntesis difusos.
La ilusión, la fantasía y realidad confluyen, produciendo un efecto residual por donde transitan personajes inestables, frágiles, fragmentados, disfrazados, miméticos, seres que sufren la apatía de la memoria.
La obra de JY es una reflexión sobre lo que subyace, sobre lo indescifrable.
“El resultado de todo es como un collage de percepciones, elementos sobrenaturales, un contexto hiperrealista que de alguna manera emerge en ese total que se conforma en cada imagen” .
Fernando López Lage (fragmento del texto curatorial)

Inauguración de "Piezas de conversacion" de Patricio Gil Flood y Paulina Hauyón, artistas residentes (ARG y CH) del fac Montevideo.

2009-10-29T13:29:00.004-03:00

"Entendemos la residencia en la FAC como una experiencia que conlleva un tiempo finito de duración (2 meses en este caso) y que culmina mostrando una parte de un proceso de trabajo. Esa experiencia también goza de una proyección que desconocemos de cómo puede terminar decantantado en el tiempo todo este intensivo quehacer. Para nosotros fue un pretexto para entrar en dialogo, formar vínculos y compartir para así generar posibilidades de reflexión, que es lo que proponemos como artistas y es, en este tipo de prácticas, donde se puede dar la atmosfera favorable para su desarrollo.
El vinculo Buenos Aires-Montevideo, ciudades de distintas escalas, realidades y discusiones en torno al arte contemporáneo, se nos hizo presente en diversos aspectos culturales y antecedentes históricos. Desde el principio nos interesó mucho la idea de vivir una estadía aquí, ya que de esta manera, participando dentro de un circuito regional, hacemos hincapié donde creemos que se puede realizar aportes para la reciprocidad entre artistas y el intercambio de ideas y experiencias. Pensamos que es importante participar de residencias regionales, ya que consideramos que nuestro trabajo aquí puede ser leído como el que viene de un contexto específico para dialogar con los artistas de la FAC en Montevideo, generando así un tránsito y un dialogo que incide en decisiones sobre nuestra obra. En suma, pensamos que es importante que el trabajo sea leído desde donde se produce.
Otro aspecto que nos pareció muy estimulante, a partir de los encuentros que tuvimos y los lugares que visitamos, fue acercarse con más profundidad a referentes y circunstancias que han formado generaciones de artistas y han construido sentidos para la existencia de un lugar especial para las artes visuales.

“Piezas de Conversación” vincula nuestra situación de residencia, las obras entre si y el lugar donde se monta la exposición.
Partimos de una situación específica: dos artistas que trabajan en una propuesta conjunta, uno con el otro, intercambiando roles, dejándose guiar por la afinidad y el dialogo, para producir relaciones sensibles. Nosotros salimos a encontrarnos con piezas y las utilizamos como soportes para poder realizar una serie de sencillas operaciones en donde insistimos en provocar desvíos.
Piezas que desarmamos y volvimos a ubicar sus partes, tratando de recorrer el camino de otra forma. Transcribimos diálogos completos de películas insistiendo en el potencial visual de imaginar y volver a revisitar todo lo que trascurre en una narración. Reescribimos frases de letras musicales que se tornan como declaraciones políticas o como música de fondo de un lugar de la historia. Tomamos imágenes fílmicas y las volvemos a construir con otra materialidad, realizando un cuestionamiento desde y hacia la pintura. Cubrimos sobre portadas de discos de vinilo cierta información para dejarlos a mitad de camino entre algo objetual y algo pictórico. Trajimos una visión de la pre-modernidad calando una maqueta en un block de papel.
Con todo esto intentamos materializar flujos y formas de reescritura, buscando ecos y conexiones entre las obras que se dan a través de similitudes formales, temas o títulos que se van hilvanando como una conversación que se puede expandir sobre muchas otras cosas.
En cada uno de los trabajos hay atisbos de abolir distinciones, de dejar borroso cierto límite entre lo que usamos y producimos. Por otro lado algo queda suspendido entre las obras, es todo lo invisible, son los hilos por donde seguir generando conversaciones, son los recorridos posibles. Es la atmosfera que se genera por el contexto.
Nuestra obra puede ser como un lugar de búsqueda, de expectativas de lectura, pero requiere de un esfuerzo por parte de quien la lee. No es algo veloz. Son construcciones que hablan de la tarea de un artista, que vuelve a revisitar desde hoy, con todo lo que lleva consigo, conectando épocas, ciudades, escarbando en la historia y en las circunstancias. Buscando sentidos en fin, y entrando en un engranaje de una cadena de contribuciones."

Paulina Silva Hauyon y Patricio Gil Flood

Piezas de conversación Gil Flood y Silva Hauyón en el fac

2009-10-22T10:09:00.003-03:00

"Piezas de conversación"
Exposición de artistas residentes de Argentina
en fac residencias

Patricio Gil Flood
Paulina Silva Hauyon
Ambientación sonora: Beto Olalde

Jueves 22 de octubre 19 hs
Juan Carlos Gómez 1544 Piso 2

Danilo Volpato de Sao Paulo * residencias fac * Recorrida por Montevideo

2009-10-10T10:30:00.003-03:00

Workshop de cine 16 mm a cargo de Maxi Contenti

2009-10-01T15:10:00.001-03:00

Convocatoria a realizadores para workshop de 16 mm dictado por Maxi Contenti.
En el último encuentro se entregará el transfer y el negativo revelado .
Clase de postproducción digital.
Participación de Pedro Luque.
29 de octubre 18hs - Charla informativa. y conferencia de Jessie Young.

31 de octubre, 1º y 2º de noviembre de 9:00 a 17:00 hs

Se deberá enviar cv abreviado e idea cinematográfica o pre guión a
fac16mm@internet.com.uy
Se seleccionarán ocho proyectos.

Patricio Gil Flood y Paulina Silva Hauyón trabajando el estudio del fac. Residencias en red.

2009-09-23T09:48:00.004-03:00

Patricio y Paulina desarrollando su proyecto a exhibirse el 15 de octubre en la misma sala donde trabajan

.

fac residencias * la casa * patricio y paulina

2009-09-09T19:52:00.004-03:00

fac residencias Argentina * Patricio Gil Flood y Paulina Silva Hauyon

2009-09-03T16:05:00.002-03:00

FAC residencias
Programa de residencias artísticas de la Fundación de Arte Contemporáneo.

Fac Residencias pertenece a Residencias en Red Iberoamérica.
Proyecto organizado con el apoyo de AECID (Agencia Española de Cooperación Internacional para el Desarrollo) y la Red de Centros Culturales de España en Iberoamérica

Los artistas seleccionados para desarrollar el proyecto de residencias fac fueron:

Patricio Gil Flood (1977 – La Plata, Argentina).
Licenciado en artes visuales de la UNLP. Ha realizado talleres y clínicas de obra con los artistas Pablo Siquier, Tulio de Sagastizabal, Marcela Cabutti y Fabiana Barreda. Obtuvo las siguientes becas: Residencia FAC Montevideo, Uruguay (2009); Beca de Creación en Artes del FNA (2008); Residencia Internacional Fundación Llopys, Panamá (2007); Clínica de artes visuales CCRojas-UBA (2006). Sus principales muestras y más recientes fueron: Black cover version - Galería Die Ecke, Santiago de Chile (Proyecto bipersonal con Paulina Silva Hauyon - 2009); Sweet Dreams - Límite Sud, Fundación ArteBA, Buenos Aires. Curadora: Eva Grinstein (2008); Esto es un fantasma - Galería Sicart, Barcelona (2007); Esto es una trampa - Galería 713 arte contemporáneo, Buenos Aires (2006).

Paulina Silva Hauyon (1980 – Santiago, Chile).
Vive y trabaja en Argentina. Licenciada en artes visuales de la Universidad Finis Terrae (Santiago, Chile). Ha realizado talleres y clínicas de obra con los artistas Diana Aisenberg, Marcela Cabutti y Fabiana Barreda en Argentina, y con Jorge Gonzales Lohse y Roni Gulle en Chile. Obtuvo las siguientes becas: Residencia FAC Montevideo, Uruguay (2009); Beca de de artes visuales CCRojas-UBA (2007). Sus principales muestras y más recientes fueron: Black cover version - Galería Die Ecke, Santiago de Chile. (Proyecto bipersonal con Patricio Gil Flood - 2009); Bienal de arte contemporáneo, MAC Bahía Blanca (2008); La Esperanza Negra - Galería 713 arte contemporáneo, Buenos Aires. Curadora: Florencia Qualina (2007); Transatlántica - Galería Sala d’Estar, Sevilla, España (2007).

Los artistas realizarán un proyecto bipersonal durante los meses de setiembre y octubre en Montevideo

Nuevo cierre convocatoria Brasil * Residencias de artistas fac

2009-08-27T10:55:00.002-03:00

>

por consultas: facresidencias@gmail.com

facresidencias.blogspot.com Formularios 1 y 2.-

Cierre de 05982:04 Lost Highway . Belafonte y lentejas de Guille.

2009-08-04T11:22:00.003-03:00

workshop de cine encontrado * Mark Street y Lynn Sachs

2009-08-04T11:15:00.003-03:00

Realización de un corto experimental con películas encontradas docente invitado Mark Street (NY-USA).

Siguiendo la tradición de Stan Brakhage, Carolee Schneemann y Len Lye, se invita a los participantes a afectar películas encontradas en 16mm con diferentes herramientas como pinturas, marcadores, hipoclorito, etc. También intervendrán la emulsión con trinchetas y papel de lija. Se crearán imágenes abstractas trabajadas a mano, cuadro por cuadro, de lo que resultará un nuevo lenguaje visual a partir de viejas imágenes.
La realización de un film con metraje encontrado, requiere del tesón y la pasión del coleccionista, la meticulosidad del montajista y el espíritu lúdico del colagista. La narración de la película encontrada queda relegada a un plano invisible para decantarse hacia una nueva sucesión de escenas.
El metraje encontrado se entremezcla, cruza, yuxtapone , se contrasta con imágenes filmadas en otros ámbitos y algunos bucles que destacan otra lectura sobre el mismo. A través de esta apropiación del material encontrado se deconstruyen y reconstruyen imágenes y sonidos jugando sucesivamente con la sincronía y la asincronía del metraje original.

Cierre de 05982:04 Lost Highway ** Belafonte y lentejas de Guille

2009-07-31T18:34:00.002-03:00

05982:04 Lost Highway

Exhibicion de proyectos
Residenciasfac
Archivo Madeja
Editafac - Páramo beach. Conversaciones con Ernesto Vila, Clio E. Bugel
Zona Media - Alejandra Rosencof

sábado 1 de agosto 11hs. CLAUSURA
Belafonte y lentejas de Guille

Oigo voces / Teresa Trujillo "esto no es un happening"/ el diablo está en la aldea.jueves 30 de julio 18 hs en el fac.

2009-07-29T14:18:00.004-03:00

En esta charla la coreógrafa nos presentará sus primeros trabajos dentro de la escena artística internacional. Su relación con el Happening en la decada del ´60, su participación en la V Bienal de Paris, el trabajo con Jodorowsky, su aporte a la cinematografía experimental, la huella en la Cinemateca del Tercer Mundo, las primeras experiencias de Happenning en Montevideo y la relación fermental con artistas del medio, serán el eje principal de este encuentro.

Inauguración de 05982:04 Lost Highway

2009-07-27T20:12:00.006-03:00

El sábado 25 de julio se inaugura el evento 05982:04 Lost Highway, en el cual se presenta la editorial Editafac que presenta su primer libro "Páramo beach" Conversaciones con Ernesto Vila. Clio E. Bugel. Es el primer libro de una serie de conversaciones entre agentes del campo del arte. Se presento con una charla de Vila y Bugel, donde el público presente pudo acercarse más al juego propuesto en el trabajo realizado para el libro. También el programa de residencias fac, a cargo de Eugenia González y Agustín Sabella, donde se mostraron algunos de los mails enviados por los artistas argentinos y brasileros que aplicarán para desarrollar su proyecto en el fac. El archivo Madeja, a cargo de Anaclara Talento, que recopila 10 años de trabajo en lo audiovisual del fac y se propone como un archivo abierto y en construcción.Lost Highway, el largometraje de David Lynch, consigna original para desarrollar este proyecto sobre la memoria, sus capas e interticios. Y finalmente Alejandra Rosencof presenta su investigación periódistica-literaria sobre la mítica Clarita García de Zuñiga, entrevistas a bisnietos y detalles nuevos que cuestionan esta microhistoria singular.
gracias por las fotos a: ale francisco, aldo baroffio e ines guridi rosencof.

05982:04 /OIGO VOCES/ Lynn Sachs by Lynn Sachs/ Martes 28 de julio a las 18 hs en el fac.

2009-07-27T20:08:00.003-03:00

Lynne Sachs by Lynne Sachs

Lynne Sachs (NYC), cineasta experimental presentará su última creación en calidad de pre-estreno "Wind in Our Hair", la misma está basada en relatos de Julio Cortazar, filmada en diversos formatos (16mm, super 8, regular film 8mm, video) masterizada digitalmente y musicalizada por Juana Molina.

Y Which Way Is East (1994) un diario de viaje filmado en 16mm, que retrata su visión del documental que deviene de la contemplación, de priorizar el instante y la luz que despliega, de su forma de estar en el mundo. Este film fue realizado en Vietnam junto a su hermana la periodista Dana Sachs quien reside allí.
Premios que ha recibido el film:Grand Jury Prize, Atlanta Film and Video Festival; Sundance Film Festival; Ann Arbor Film Festival; Prize, Black Maria Film and Video Festival; Museum of Modern Art, New York; San Francisco Cinematheque; "Arsenal" Film Festival, Rega, Lativa; Pacific Film Archive; Mill Valley Film Festival; Vassar College; Yale University; Cornell Cinema; SF Asian American Film Festival.

Algunas entrevistas y notas sobre la artista:
(MOMAradio-listen- ) :
http://www.artonair.org/archives/j/index.php?searchword=&option=com_search&Itemid

http://www.blogsandocs.com/?p=216http://www.canyoncinema.com/S/Sachs.

http://www.chicagoreader.com/chicago/films-by-lynne-sachs/Film?oid=1054592

http://www.independentexposure.com/filmmaker/1459/LynneSachs.html

http://www.lynnesachs.com/writing/scripts/sachs_wwiescript.pdf

05982:04 LOST HIGHWAY fac 25 de julio de 2009- 11 hs.

2009-07-20T10:38:00.005-03:00

Sábado 25 de Julio 11 hs. INAUGURACION
- Archivo Madeja / Anaclara Talento
- Residencia fac / Eugenia González y Agustín Sabella
- Laboratorio de Cine / Guillermo Zabaleta
- "Páramo Beach" / Clio Bugel. Presentación del primer libro de la editorial editafac.
- "Lost Highway"
- La zona media / Instalación, audio, investigación / Alejandra Rosencoff
- Presentación de Editafac / Clio Bugel (12 hs) Charla con Ernesto Vila

martes 28 de julio 18 hs.
- "Oigo Voces" / Ángela López
Invitada Lynne Sachs (USA)

miércoles 29 y jueves 30 de julio de 10 a 16 hs.
- Cine Encontrado
Mark Street y Lynne Sachs (USA)

jueves 30 de julio 18 hs.
- "Oigo Voces" / Ángela López
Invitada Teresa Trujillo

sábado 1 de agosto 11hs. CLAUSURA
- Belafonte y lentejas de Guille

Field work _ Tras la imagen documento - Virginia Villaplana en el fac.

2009-07-10T21:53:00.002-03:00

Esta articulación que el vídeo ensayo propone, insiste pues en la transformación del orden simbólico de las representaciones, que guarda una relación especular con el orden cultural y social.
Así, el modo en que se organizan, editan y disponen las imágenes, textos y sonidos, suponen una nueva conciencia polifónica de la enunciación, una nueva manera de hacer y narrar.
Las prácticas posdocumentales en relación al arte y la cultura digital adquieren entonces conciencia de su función como herramienta de registro de la realidad. Por ello, se interroga sobre su propio proceso de articulación y producción: cómo se está haciendo, por qué y con qué objeto.
La imagen y la (auto)crítica tienen lugar al mismo tiempo. La experiencia que nos da el conocer los códigos y mecanismos a partir de los que se va tejiendo toda la narración, nos propone desvelar los procesos invisibles que se esconden en la construcción de la mirada y en la traducción de las imágenes, y en consecuencia a reconocer las conexiones entre sociedad y procesos de conocimiento.

Inauguracion "Leviatán" Aldo Baroffio CCE Mvd.

2009-07-10T21:49:00.003-03:00

ALDO BAROFFIO Jueves 9 de julio 19 hs. CCE centro cultural de españa. RINCÓN 629

2009-06-19T12:58:00.005-03:00

FIELD WORK Tras la imagen documento// espacios de observación, relatos y prácticas posdocumentales.

2009-06-16T11:08:00.001-03:00

Laboratorio de cine 16 mm - fac
El desarrollo de este taller se centra en las formas narrativas del video y fotografía como dispositivos de ensayo y como forma de discursiva de los procesos temporales.
Se propondrán una serie de ejercicios a modo de Field Work, trabajo de campo y observación mediante la generación de fotografías, textos y vídeo en los espacios de la ciudad.
El objetivo es generar mediante la idea de retrato una escena móvil por parte del grupo de trabajo relacionada con los lugares y las gentes que lo habitan.
Esta taller de arte y cultura digital se centra en las estrategias que el vídeo ensayo lleva desarrollando a partir del uso de los nuevos media y la postproducción de narrativas en proceso, como claros síntomas de los tiempos del Post-capital en el que la imagen-documento se torna como una forma de lectura de los contextos sociales.
Esta articulación que el vídeo ensayo propone, insiste pues en la transformación del orden simbólico de las representaciones, que guarda una relación especular con el orden cultural y social.
Así, el modo en que se organizan, editan y disponen las imágenes, textos y sonidos, suponen una nueva conciencia polifónica de la enunciación, una nueva manera de hacer y narrar.
Las prácticas posdocumentales en relación al arte y la cultura digital adquieren entonces conciencia de su función como herramienta de registro de la realidad. Por ello, se interroga sobre su propio proceso de articulación y producción: cómo se está haciendo, por qué y con qué objeto.
La imagen y la (auto)crítica tienen lugar al mismo tiempo. La experiencia que nos da el conocer los códigos y mecanismos a partir de los que se va tejiendo toda la narración, nos propone desvelar los procesos invisibles que se esconden en la construcción de la mirada y en la traducción de las imágenes, y en consecuencia a reconocer las conexiones entre sociedad y procesos de conocimiento.

Taller teórico/práctico dirigido a: estudiantes y profesorado de Comunicación, Bellas Artes,Filología, Ciencias de la Educación, Arquitectura, Historia del Arte, Sociología y Artistas.
Fecha: 8 y 9 de julio, de 10 a 16 hs.
Inscripciones: Fac Juan Carlos Gomez 1544,
Tel 9166417. Cel 094798060
mail : fac16mm@internet.com.uy
Coordina: Guillermo Zabaleta

Conferencia y Proyección de Films de Bill Brand y Katy Martin - fac * UCUDAL

2009-06-01T09:56:00.005-03:00

"Drawing Breath"
Katy Martin
1979, DVD/ super 8mm, 4 min

"Chuck's Will's Widow"
Bill Brand
1982, 16mm, 10 min.

"Interior Outpost"
2003,10 min,DVD

"Skinside Out"
Bill Brand and Katy Martin
2002, 16mm,10 min

"Swan's Island"
Bill Brand and Katy Martin
2005, 16mm , 5 min

"Breathing Twice"
Katy Martin
2009, DVD, 7 min
(This is a brand new work, which was commissioned by the Museum of Chinese in America.)

Miércoles 27 de Mayo - 16.00 hs
Sala Centro de Posgrados A303
Universidad Católica del Uruguay
Colaboran:
Archivo "Inéditos"-Universidad Católica del Uruguay
Archivo Nacional de la Imagen-SODRE
traducción:
verónica cordeiro y clio bugel
auspician:
colonia express,palermo art hostel,bar "las delicias"

Clinica de Analisis y Producción de Proyectos de Arte y Cine, basados en Archivos Fílmicos.

2009-05-27T13:46:00.004-03:00

Profesor invitado:

Bill Brand

Cineasta experimental neoyorkino.

Especialista en preservación de archivos fílmicos y cine primitivo.

Docente de Cine y Fotografía en la Universidad de Hampshire .

http://www.bboptics.com/bboptics.html

Objetivo:

El objetivo de esta Clínica es analizar y evaluar proyectos cuyo enfasis esté en el rescate de archivos filmicos familiares, colecciones privadas de cine, cintas encontradas de cine amateur ó documental,(no comercial).Se facilitaran estrategias para viabilizar estos proyectos.

Esta es la primera fase de un proceso que apunta a la producción cinematografica a partir del material de archivo y a la conservación artesanal del mismo como parte activa de la memoria colectiva.

Plan de Trabajo:

-Introducción teórica y ejemplos cinematograficos a cargo de Ángela López Ruiz- Martes 26 de mayo de 15:00 a 16:00 hs

-Analisis y Evaluación de proyectos a cargo de Bill Brand- Miercolés 27 de mayo de 8:30 a 12:30 hs

-Seguimiento y Exposición de trabajos- Julio-fecha y lugar a confirmar

Boomerang - Lopez Lage - Alianza Francesa

2009-05-22T12:13:00.003-03:00

El efecto boomerang de la interpretación
Clio Bugel Curadora.
No se puede pensar en el arte contemporáneo sin pensar en la interpretación: las obras de arte hoy son objetos de pensamiento, tanto o más que objetos visuales, o sensoriales, o estéticos, etc.

La interpretación modifica al objeto de pensamiento, aunque no genere cambios materiales en el objeto visual. Y dado que en el arte coinciden ambos objetos – pensado y material -, la sumatoria de sentidos descubiertos y asignados por las sucesivas interpretaciones que van modificando a uno (el objeto de pensamiento) afecta, inexorablemente, al otro (el material). Por eso, las obras de arte devienen tales en la medida en que la interpretación las va transformando y enriqueciendo como objetos de pensamiento - lo que, a su vez, hace que se vean diferentes.

A medida que la pintura de LL se ha ido despojando de relato explícito, se fue expandiendo el espacio para la metáfora. Los colores se empezaron a recargar de sentido, cada uno por su lado y en cada nueva superposición de planos que interactúan temporal, visual, afectiva y pictóricamente entre sí. Por supuesto, esto no ocurre en forma automática, por la operación de abstraer y borrar la figuración. Ocurre porque lanzó bien el boomerang.

EXHIBICION DE FILMS EXPERIMENTALES Y FOUND FOOTAGE

2009-05-20T11:09:00.003-03:00

Instalación de los artistas argentinos Pablo Marín.

Blocking (2005, 35mm, 2.30 min., muda)
Avances (2006, 35mm, 4 min., sonora)
TM (2008, 16mm, 2 min., sonora)

Macarena Cordiviola.

Equivale a mentir (2001 DVD-3'sonoro)
Imperativo de Captura (2007 DVD- 9' 45'' ,mudo)
Últimos Brillos(2008 Super 8-11min,mudo)

"UN MINUTO DE CINE"-
Cortos de 1 min. workshop a cargo de Guillermo Zabaleta . 12 min.
Participan:
Anaclara Talento, Maria Trabal, Aldo Baroffio, Mateo Etchegoyen, Androoval, Verónica Cordeiro, Facundo Florit, Natalia De León,Sebastián Sachetti, Valentina Sachetti, Marcelo Marchese, Sofía Martinez, Jeremy Rubenstein.

FILM PERFORMANCE
Proyección de trabajos realizados en el workshop de Found footage a cargo de Uzi Sabah. 10 min.
Participan:
Lucía Ferreira,Sofía Martinez,Uzi Sabah

Patricia Bentancur en Malmö - Galleri Rostrum - Memories - On it self

2009-05-14T14:14:00.009-03:00

Patricia Bentancur
”Minnen/On in itself”
Galleri Rostrum
Hasta el 24. 5

Patricia Bentancur viene de Uruguay. En “Memorias” expone dibujos, textos, video y objetos. Maneja sus recursos de forma directa y sugestiva. El espectador es absorbido por su mundo, pese a que existen naturalnente referencias concretasque pueden ser bastante desconocidas para nosotros.
Sus textos son reflejantes, espejan. “Nosotros fuimos felices / Nosotros no fuimos felices” está escrito en la pared aludiendo a los años de dictadura 1973-1984. Las letras son espejos donde quien lee se ve el rostro. De la misma manera que el artista se vio a sí mismo cuando creó la obra, con su simple y contradictorio juego de opuestos.
La diferencia que se establece entre nuestros recuerdos y los suyos, nos remite a lo que separa lo más íntimo de cada uno de lo público y que sin embargo está unido por invisibles hilos rojos.
También la artista vuelve una y otra vez a los libros, como símbolo de un encuentro entre lo personal y lo político. Una foto muestra desgastados lomos con títulos sobre de arte, filosofía, política, poesía. En otra obra, son libros recubiertos de una gruesa capa de pintura que reposan en una repisa. En destellos de letras y palabras ha sido transformado sus contenidos. Sabemos que pueden ser ellos restos de largos textos, pero los maltratados ejemplares dicen más que las palabras mismas.
Mientras que ”El último libro”, un dibujo hecho a tiza en un pizarrón deviene en lacónica imagen de una pérdida de memoria.
En otro dibujo, un negro y nudoso tronco de árbol hunde sus raíces en un curvado suelo. No podemos saber es lo que se oculta bajo la tierra, pero unas frutas como si fueran confetti emergen brillando semejantes a señales luminosas en la noche.
Ese ir y venir entre el ámbito de lo público y lo privado es retomado por la artista también en la paradoja ”I love you/ I hate to love the way I hate”, subrayando la imposiblidad de saber cómo y de que manera podemos tomar a las palabras e imágenes. ¿Es acaso posible comunicarse?
La comprensión de lo provisorio en nuestras posibilidades expresivas, su caracter defectuoso, se vinculan al hecho de que deseamos recordar lo que hemos perdido. ¿Cómo se puede distinguir entre lo que es cierto lo que nó? En un rincón está un pequeño Pinocho que lo atestigua con su nariz.
Después de mostrar cómo la pasión de contar tiene que luchar contra el dolor del olvido, Bentancur nos devuelve la pregunta y nos queda debiendo la respuesta.

Thomas Millroth
Escritor y crítico de arte
http://sydsvenskan.se/kultur-och-nojen/konst_o_form/konstrecensioner/article430339/Konstrecension-Patricia-Bentancur.html

EXHIBICION DE FILMS EXPERIMENTALES

2009-05-06T22:27:00.008-03:00

Exhibición de Films Experimentales

Instalación de los artistas argentinos

Pablo Marín.

Blocking (2005, 35mm, 2.30 min., muda)
Avances (2006, 35mm, 4 min., sonora)
TM (2008, 16mm, 2 min., sonora)

Macarena Cordiviola.

Equivale a mentir (2001 DVD-3'sonoro)
Imperativo de Captura (2007 DVD- 9' 45'' ,mudo)
Últimos Brillos(2008 Super 8-11min,mudo)

"UN MINUTO DE CINE"-
Cortos de 1 min. workshop a cargo de Guillermo Zabaleta . 12 min.
Participan:
Anaclara Talento, Maria Trabal, Aldo Baroffio, Mateo Etchegoyen, Androoval, Verónica Cordeiro, Facundo Florit, Natalia De León,Sebastián Sachetti, Valentina Sachetti, Marcelo Marchese, Sofía Martinez, Jeremy Rubenstein.

FILM PERFORMANCE
Proyección de trabajos realizados en el workshop de Found footage a cargo de Uzi Sabah. 10 min.
Participan:
Lucía Ferreira,Sofía Martinez,Uzi Sabah

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Agradecimientos: Ferruccio Musittelli,Juan José Mugni,Jorge Espina,Aldo Baroffio,Clara Ost y y Carlos Engelman.
Auspician: Colonia Express,Palermo Art Hostel.

Maximo Jacoby del Centro Cultural Rojas en el ciclo OIGO VOCES

2009-05-04T14:34:00.006-03:00

Charla con Máximo Jacoby
Coordinador deArtes Visuales del CCRojas / UBA.

Crítico de arte, Curador y Docente.

¿Y para quién trabajo?

Por estos días, mi obsesión recae sobre una disyuntiva: ¿Cuál es el público para el que trabajo? ¿Quién es mi interlocutor real? ¿A alguien le interesa lo que hago? La tensión entre el mandato del público especializado y el espejo (mi ego como interlocutor mudo) frente al deseo de rediseñar un campo de creación de sentido nuevo y amplio. El devenir estético como definición ética. La conformación de una figura local-real y no retórica-global. Y, sobre todo, cómo superar la cultura de la queja institucional.

El incierto y conflictivo lugar del curador hoy da espacios para la invención de un rol activo y funcional.

Miércoles 29 de Abril
Hora 18:30

Miguel Hernández del Cendeac - OIGO VOCES

2009-05-04T14:21:00.005-03:00

Conferencia a cargo de Miguel Hernandez Navarro,
Director del CENDEAC, Prof. de historia del arte de la Universidad de Murcia, escritor, teórico y crítico de arte.

"Tecnologías de segunda mano: estrategias de resistencia en el arte contemporáneo"

La intervención intentará plantear una cartografía de algunos de los discursos que han protagonizado el arte contemporáneo en los últimos años, en especial la cuestión de la interculturalidad y del arte global. A través de algunos ejemplos, se observarán los diversos puntos flacos de este discurso de la globalidad, elevado sobre una concepción monolítica del espacio-tiempo. A partir de esto, se reflexionará sobre la necesidad de buscar nuevas vías de análisis que exploren otras concepciones del espacio (contrageografías) y del tiempo (contracronologías). Una de las posibles salidas sería el trabajo con lo que podemos denominar "tecnologías de segunda mano", especialmente el uso conflictivo y aberrante de técnicas y prodecimientos que no pertenecen al presente espacio-temporal.

http://www.miguelhernandeznavarro.com/
http://nohalugar.blogspot.com/

Jueves 19 de Marzo
Hora 18

>

OIGO VOCES

2009-05-04T13:25:00.001-03:00

OIGO VOCES

"Más allá de la oreja existe un sonido, la extremidad de la mirada un aspecto, las puntas de los dedos un objeto: es allí a donde voy. La punta del lápiz el trazo. Donde expira un pensamiento hay una idea, en el último suspiro de alegría otra alegría, en la punta de la espalda magia: es allí a donde voy. En la punta del pie el salto. Parece historia de alguien que fue y no volvió: es allí a donde voy. ¿O no voy? Voy, sí. Y vuelvo para ver cómo están las cosas. Si continúan mágicas. ¿Realidad? Te espero. Es allí a donde voy. En la punta de la palabra está la palabra." Clarice Lispector

"Oigo voces"
Un espacio donde compartir con curadores, crìticos, artistas personas que afectan en un punto al campo del arte, la obsesión del ser convincente, el contexto de lo textual, la pulsión primaria que gobierna nuestros espacios visibles,
Los invitados son convocados a develar -se,a trasmitir proyectos que son esencia de otros proyectos, caprichos que potencian actos creativos, palabras que aún no fueron dichas pero se oyen.

Curadora: Ángela López Ruiz

UN MINUTO DE CINE Y FOUNDFOOTAGE

2009-04-16T13:51:00.005-03:00

UN MINUTO DE CINE

El objetivo de este laboratorio es aproximarse al soporte 16mm. y expandir el espacio de investigación de la imagen analógica. Está orientado a artistas, estudiantes, colectivos artísticos, etc. Los participantes realizarán un corto de 1 min. en 16mm, rodado con luz día y editado en cámara..Se darán nociones básicas de fotómetro, cámara y revelado en laboratorio artesanal con líquidos creados en el mismo. Se positivará en copiadora de contacto, para luego ser proyectado en multipantalla el 8 de mayo en la Colección Engelman Ost.

Cupo: 12 participantes.
Fecha: jueves 30 de abril, lunes 4 y martes 5 de mayo.

Coordina: Guillermo Zabaleta.

Artista invitada: Macarena Gagliardi (Argentina).

Laboratorio Found Footage

Este Laboratorio nos acerca a las diferentes técnicas de cine experimental, camera-less, manipulación de peliculas caseras y material deshechado en 8mm, super 8, 16mm. y 35mm.

Se trabajará en una parte teórica: definición, historia y relación con otros géneros del cine experimental (avant garde) y performance fílmica, y una parte práctica: trabajo sobre la película a través de técnicas como el scratching, collage, manipulación con químicos, etc.

Cada participante creará films loops que se proyectarán a modo de film performance en forma colectiva el 8 de mayo en la Colección Engelman Ost.

Cupo: 12 participantes.

Fecha: Lunes 27, martes 28 y miércoles 29 de abril.

Coordina: Uzi Sabah.

Artista invitado: Pablo Marín (Argentina).

fac Juan Carlos Gómez 1544# 2,Montevideo.
05982 916 6417 , fac@internet.com.uy

Clínica

2009-04-02T09:06:00.004-03:00

clínica

-Objeto de arte y estrategias conceptuales.
-Discusión sobre contexto y procesos creativos.
-Análisis de proyectos.
Clío Bugel

Sábados de 10:30 a 13:30.
4 módulos .
Comienzo sábado 18 de abril .
Cupos limitados.
0598 2 916 6417 fac@internet.com.uy

Anaclara Talento en Toll Mvd

2009-03-04T01:28:00.001-02:00

TALLER DE CINE 16 mm /Stefano Canapa de visita en el fac

2009-03-03T16:52:00.005-02:00

WORKING DOCUMENTS. Relatos de la cultura inmaterial- Angela López en Barcelona

2008-12-23T10:57:00.005-02:00

EXPOSICIÓN: WORKING DOCUMENTS. Relatos de la cultura inmaterial

La Virreina Centre de la Imatge
Palau de la Virreina, La Rambla, 99. Barcelona

Del 19 de Noviembre de 2008 al 8 de Febrero de 2009

Artistas participantes:
Natalie BOOKCHIN, Marina GRZINIC & Aina SMID, Emma HEDDITCH, Alejandra RIERA, Maria RUIDO, Sandra SCHÄFER.
Un proyecto comisariado por Montse ROMANÍ y Virginia VILLAPLANA.

Sesión Abierta:

Jueves 20 de noviembre de 2008, 18 h a 21 h
Espai 4 del Palau de la Virreina. La Rambla, 99, Barcelona.

Colectivo Circes (Alessandra, Eva, Raquel)
http://colectivocirces.blogspot.com/

"05982: Sé lo que hicieron el año pasado" (Angela López, Uruguay)
http://facmvd.blogspot.com
Tjasa Kancler
http://www.p-a-r-a-d-i-g-m-a.net

Anja Steidinger
http://www.anja-steidinger.net

BECA DE INVESTIGACION DE VISITANTE 2008. ANGELA LOPEZ

2008-11-17T12:51:00.005-02:00

Becas de investigación de visitantes 2008. Ángela López Ruiz
Sé lo que hicieron el año pasado
En el año 1970 un incendio extinguió, casi en su totalidad, el material fílmico del Archivo Nacional de la Imagen, éste fue reconstruido en base a donaciones de coleccionistas y cinetecas privadas. El Archivo nunca pudo sobreponerse a la censura de la dictadura y al bajo presupuesto que le fue asignado por los gobiernos sucesivos.
El punto de partida para esta investigación es revisitar la historia fílmica de Uruguay (en especial la referida al Cine Experimental de los años 50 al 70) y ver que consecuencia trajeron estas páginas en blanco a las posteriores generaciones. Una vez realizada esta reconstrucción , física y filosófica, surge la necesidad de ontologizar el presente a través de la imagen y su importancia para la memoria social, actividad que se propone como objeto de esta investigación.*
Este proyecto se lleva a cabo en la Ciudad de Montevideo y cuenta con el apoyo de la Fundación de Arte Contemporaneo , el Archivo Nacional de la Imagen y el Museo Nacional de Artes Visuales.La principal via de divulgación han sido y serán las consecuencias que surjan de los datos históricos aportados por los protagonistas , la subversión que los mismos produzcan en la historicidad de la imagen ,así como también de la nueva producción artística que surja del Laboratorio de Investigacion.

*Montevideo fue la única ciudad de Latinoamérica que albergó durante 2 décadas un Festival de Cine Experimental , que tuvo como protagonistas visitas de la talla de Norman McLaren, John Grierson y otros. Por ser Cine de interés "no comercial", no se consideraba digno de ser archivado, ni siquiera proyectado. Es así que haciendo una pesquisa de los autores de dichos films y reconstruyendo las películas una a una, se fue reconstruyendo un nuevo mapa de la historia del arte en el Rio de la Plata.
Ángela López Ruiz es artista,curadora e investigadora nacida en Montevideo, Uruguay. Licenciada en Arte por la Universidad de la República, especializada en Cine y Video. Profundiza en el campo de la filosofía y teoría del arte en el espacio Ronda de Pensamiento. Miembro de la Fundación de Arte Contemporaneo, www.facmvd.org, donde desarrolla su proyecto de investigación 05982: Montevideo digital, http://www.facmvd.org/actividades/2006/julio/mvd-digital.htm,
Arqueología: los objetos y la imagen, http://facmvd.blogspot.com/2007_05_29_archive.html, Sé lo que hicieron el año pasado, http://facmvd.blogspot.com/2008_06_26_archive.html y dirige el Taller de cine/fac http://www.facmvd.blogspot.com.

Entre sus curadurías se destacan Anthology, videoperformance de Clemente Padín, Museo de Barrio, Nueva York, www.elmuseo.org; Cine Expandido I y II, en el Museo Nacional de Artes Visuales ,MVD, www.mnav.gub.uy y focos/fac realizada en el marco del Encuentro Regional de Arte www.era.org.uy.
Como artista expone desde 1999 hasta la fecha en Montevideo, Buenos Aires, Caracas, Maracaibo, Santiago de Chile, San Pablo ,París, Marsella, Barcelona, Sevilla, Dresden, Berlín y Londres.

CINE EXPANDIDO II

2008-11-05T16:27:00.004-02:00

CINE EXPANDIDO II
"De la contemplación a la instantaneidad"
05982:03 "Sé lo que hicieron el año pasado"
8 de noviembre a las 14 hs en el Museo Nacional de Artes Visuales
Producido en el LIC/MVD

Curaduría Angela López.
Cortos experimentales surgidos del taller de cinematografía dictado por Lic. Rubén Guzman

Revelado supervisado por Ferruccio Musitelli
Producción y Asistencia: Guillermo Zabaleta y Julieta Keldjián

Agradecimientos:Juan José Mugni,Silvana Vaeza,Stefano Canapa,Carlos Porro,Juan Batalla,Jorge Espina,L´Abominable,Fabricio Guaragna.
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Programa I
Proyección en 16mm

Director:Guillermo Zabaleta
Obra: Elegbé. 2´.39´´

Directora: Cecilia Vignolo
Obra: El cuerpo como paisaje y el paisaje como cuerpo. 2´.30´´

Director: Martin Klein
Obra: Halo. 2´

Programa II
Proyección digital

Director: Javier Valarino

Obra: La Cadena. 2´.26´´

Director: Maximiliano Contenti
Obra: Popping Eyes. 3´

Directora: Karen Barnhoorn
Obra:El Portero. 1´.50´´

Directores: Anibal Conde y Lucia Ferreira
Obra: El Jardin de las Virtudes. 4´.00´´

Director: Uzi Zabah
Obras: Sin Titulo. 2´.48´´

Programa III
Youtube

Directores: Dj PelucaMiojo y EmptyBunny

Obra: Autopsia...8´

Auspician: Colonia Express, Archivo Nacional de la Imagen, Museo Nacional de Artes Visuales y Palermo Art Hostel

Agustín Sabella "Monoscopio" en Colección Engelman Ost

2008-11-01T10:20:00.003-02:00

AGUSTIN SABELLA * COLECCION ENGELMAN OST
MARTES 4 DE NOVIEMBRE A LAS 19 HS
Las pinturas de Sabella se reelaboran a partir del mundo de la TV el cine y el video y también al de otros artistas que reinterpretan, reproducen, reexponen.

La distinción tradicional entre producción y consumo, creación y copia, ready-made y original.
Sabella no opera sobre materias primas originales. Porque trabaja con objetos que ya circulan en el mercado cultural, objetos ya legitimados previamente por otros artistas o diseñadores. Es una reinformación de lo ya informado y desde ahí se acerca a la teoría de post producción de Nicolás Bourriad[1].
Toda obra es un escenario que el artista proyecta sobre la cultura, el marco de un relato, que a su vez proyecta nuevos escenarios posibles en un movimiento infinito.
La idea entonces es: reprogramar obras preexistentes, producir estilos y formas legitimadas por la historia del arte, usar abusivamente las imágenes o utilizar a la sociedad como un repertorio de formas, para inventariar, sistematizar los formatos y los procedimientos mas destacados. La obra así queda insertada en una red de signos y significantes.
AS en vez de actuar sobre un elemento en bruto, programa formas, como un Dj.[2] , resignifica el saber, el autor, el consumo y las prácticas culturales.
Se apodera de los modos de la cultura, inventa rutas y trayectos a través de la cultura. El sentido de la obra finalmente involucra tanto al artista como al espectador y la máquina del arte comienza a funcionar.

Fernando López Lage

Margaret Whyte, intervencion en espacios no convencionales. Centro Cultual de España

2008-11-01T10:10:00.005-02:00

Como señala la artista: “a través del acto repetitivo de coser me conecto internamente en un ritual primitivo, develando lo oculto, haciéndolo visible y perceptible y generando situaciones que acentúan finalmente la unidad conceptual de la pieza.”

Margaret Whyte. Reside y trabaja en Montevideo. Entre 1972 y 1976 estudió en el Círculo de Bellas Artes con los maestros Clarel Neme, Amalia Nieto y Rimer Cardillo. Integra desde sus inicios la Fundación de Arte Contemporáneo / FAC.

ESTA INTERVENCIÓN PODRÁ VISITARSE HASTA EL SÁBADO 27 DE DICIEMBRE DE 2008.

Ma Clara Rossi en Discount Bank

2008-11-01T10:00:00.003-02:00

El retrato del Otro como autorretrato
Rossi pinta retratos a gran escala. Rostros firmemente plantados en el centro de grandes lienzos. Los fondos quedan como espacios negativos entre el contorno de la figura y el borde de la obra. Profusamente “enjoyados”, los fondos vibran y centellean cuando el espectador se mueve frente a ellos.
Rossi nos da poca información sobre quien es el sujeto que miramos. La aparición del cuello de un suéter o de unas caravanas podrían ser indicios de vidas y experiencias. Pero parecería que no es la intención de Rossi explorar y exponer quiénes son sus sujetos. Nos preguntamos entonces : ¿ cuál es el propósitos de estos retratos?
Rossi parte de una fotografía que ella misma toma. Es el primer paso en el proceso de separar al sujeto de su entorno y colocarlo en un nuevo espacio creado por la artista. Sigue una estrategia similar a la de los íconos que muestran a los personajes sacros en un campo de oro que es la expresión del más allá, del lugar mítico donde viven los dioses, el paraíso. Pienso que ella los coloca en el lugar de su imaginario desde donde los puede trabajar y escudriñar.
No todos podemos ser sujetos para Rossi. Ella habla de una empatía que ocurre entre ella y la persona retratada. En ésta dice reconocer partes de sí misma. Eso es lo que la lleva a intentar el retrato. Aclara: el parecido o similitud del retrato con la persona no es el objetivo final de la obra sino uno de sus resultados secundarios.
Volvemos a preguntarnos: ¿cuál es el propósito de estos retratos?
La fotografía del otro se transforma, en la obra de Rossi, en el espejo de Lacan. Ella examina la foto con la lupa para recomponer finalmente en el lienzo el retrato del sujeto; un sujeto compuesto por fragmentos de sí misma. A través de ese Otro ella se piensa: trata de componer, en su imaginario, la “totalidad” que la foto-espejo le ofrece.
Rossi busca intuitivamente pintar su autorretrato desde la imagen del sujeto-otro. Pero Lacan nos aclara que los significantes recibidos desde el Otro jamás llegan a satisfacer al receptor. El Otro da significantes, pero pocos significados. Rossi se siente entonces obligada a repetir la estrategia en busca de su propia totalidad, y ese es el motor que alimenta su quehacer artístico.
Nosotros, acompañando a María Clara Rossi en su búsqueda, tendremos el placer de seguir disfrutando de estos retratos a lo largo de su trayectoria.
Alberto Lastreto.

JAVIER ABREU EN EL MNAV, TALLER DE PERFORMANCE

2008-10-10T13:29:00.002-03:00

"Caprichos & Rabietas"
Taller de Performance a cargo de Javier Abreu

Mes de noviembre MNAV

primer encuentro: miércoles 5 a las 19horas
duración dos horas

requisitos de participación:

podrán participar jóvenes de 15 a 30 años

No es necesario tener experiencia artística

No es un Taller para Artistas Plásticos

los encuentros son los miércoles
5,12, 19 y 25 de noviembre
de 19 a 21 horas

enviar inscripción a :
jartbreu@gmail.com o educativamnav@gmail.com

Museo Nacional de Artes Visuales

Sebastián Sáez en el MNAV - Satélites de Amor - Legalidad urbana.

2008-09-17T11:05:00.002-03:00

Museo Nacional de Artes Visuales. Tomás Giribaldi y julio Herrera y Reissig, Parque Rodó Montevideo.
Inauguracion 18 de setiembre a las 19 hs.
Martes a domingo de 12:00 a 18:00 hs.

CINE EXPANDIDO

2008-08-23T12:15:00.004-03:00

CINE EXPANDIDO,
en el Museo Nacional de Artes Visuales.
El Taller de Cine de la Fundación de Arte Contemporaneo / fac, invita a la exhibición de dos programas que reflejan una forma de cine y su relación con el campo del arte.
Curaduría: Angela López
CROMOSOMA XY
Martes 26 de Agosto 19hs
Es el nombre del Tercer Proyecto que los reconocidos artistas neoyorquinos Lynne Sachs y Mark Street presentarán en Montevideo.Sachs y Street realizan una performance en vivo utilizando material propio y de archivo, para lo cual se apoyan en proyecciones simultáneas. En este nuevo territorio de poesía flexible, conviven atmósferas oníricas, personajes misteriosos, situaciones cotidianas, urbanidad y naturaleza .

La Programación a presentar:"Jardín de Versos: Semillas Cinemáticas y Vinos Mordientes"
(2001 al 2008 -40 mins)
Lynne Sachs y Mark Street, artistas multimedia que utilizan el cine, el video, la instalación y web para llevar a cabo sus proyectos. Los mismos han sido sustentados por la Rockerfeller and Jerome Foundations y el New York State Council of Arts.
Sus trabajos han sido expuestos en Museum of Modern Art, the Pacific Film Archive y the Sundance Film Festival, entre otros.

www.markstreetfilms.com
www.lynnesachs.com
NUESTRO CINISMO
Miércoles 27 de Agosto 18hs
Curador invitado : Lic Ruben Guzmán.
Retrospectiva del cineasta experimental Arthur Lipsett (Canada,1936-1986).
"Su cine experimental, muy poco difundido, es sencillamente excepcional. Mientras duro su caida libre, Lipsett nos presenta nuestro propio reflejo. Collages explosivos desnudan nuestro cinismo, que no es otra cosa que conocer la diferencia entre lo que hacemos y lo que decimos."

Very Nice, Very Nice (Muy Lindo, Muy Lindo)*1961, 7'
21-871964, 10'
Free Fall (Caída Libre)1964, 10'
A Trip Down Memory Lane (Un Viaje por la Calle de la Memoria)1965, 13'
http://www.nfb.ca/collection/films/fiche/?id=51438

MUSEO NACIONAL DE ARTES VISUALESJulio Herrera y Reissig esq. Tomás Giribaldi, s/nParque Rodó
Auspician: National Film Board y Embajada de Canada,Archivo Nacional de la Imagen SODRE,Colonia Express,Palermo Art Hostel.

Erótica RODELU, en Colección Engelman Ost

2008-08-01T09:42:00.002-03:00

Patricia Bentancur, Carolina Besuviesky, Alejandro Cesarco, Carolina Comas.Federico Rubio, Sylvia Meyer, Magela Ferrero, Clemente Padín, Angela López, Sergio Porro.

Esta exhibición propone un territorio, un mapeo singular de las diversas artes visuales, danza, literatura, música, performance, etc.
La erótica no es un tópico habitual en la historiografía nacional del arte y tampoco ha sido un área muy visitada por los propios artistas, sobre todo como abordaje desde el proceso creativo. Sin embargo, la literatura es un campo en el que sí se han producido incursiones y desarrollos más que notables, que han merecido largas revisiones – desde María Eugenia Vaz Ferrerira y Delmira Agustini, hasta Nancy Bacelo, Cristina Peri-Rossi y Marosa di Giorgio, pasando por Armonía Sommers, Zuleika Ibáñez, Melissa Machado, Mario Levrero y Martín Barea.
En las artes visuales, hay antecedentes muy claros, como Hugo Longa, Álvaro Pemper, Tola Invernizzi, Beatriz Battione, Oscar Larroca, entre otros.
Durante la exhibición se presenta una estación de lectura y los textos de los escritores y escritoras mencionados permearán de diferentes formas la exhibición.
La posibilidad de mirar sin llegar a ver, desde una mirada erótica del objeto como la que plantea el mito de Eros, se aplica al público y a los artistas invitados, de distintas maneras, resignificar el espacio, el juego semántico entre la discreción y el erotismo..Este es un territorio simbólico con marcas identitarias propias: la “República de Eros” que plantea reflexiones sobre el ser uruguayo y la dimensión erótica de la producción artística.

Fernando López Lage

El punto de partida es el mito de Eros y Psique, como arquetipo colectivo que se manifiesta de múltiples maneras –y siempre, más allá de la especificidad o la conciencia de esa fuerza- en la anecdótica y la creación de los/as artistas contemporáneos. Los rasgos característicos de esta búsqueda – encuentro plagado de dificultades entre el deseo y su concreción o realización en sentido fuerte- son la fugacidad, la intangibilidad y el “anuncio” de la dimensión trascendente y circunstancial que implica la fusión de lo divino (Eros, hijo de Afrodita) y lo humano (Psique). Precisamente, lo esencial de toda percepción erótica –por oposición al impulso tanático o destructor- es la creación, el proceso vital y revitalizante de la creación -artística en este caso. Eros se ve obligado a abandonar a Psique cuando ella se atreve a verlo, encendiendo una vela. Cuando se devela el misterio y se ve, desaparece la dimensión erótica y pasamos a otro terreno. Lo que hasta entonces los unía, el misterio de Eros –él la podía ver a ella, pero ella no podía verlo a él-, desaparece junto con el corrimiento del velo. En esa franja de desconocimiento racional y visual, en ese limbo de posibilidades donde se concretaba la unión de Eros y Psique, a salvo de la realidad, se desarrollará la muestra “Erótica RODELU”

Clío Bugel.

Erótica RODELU
“Proyecto subvencionado por Fondos Concursables / Ministerio de Educación y Cultura”

Curaduría y textos: Clío Bugel, López Lage.
Equipo de Montaje: Agustín Sabella y Sergio Porro.
Iluminación: Carlos Engelman
Monitores de sala: Javier Abreu y Ana Bidart.
Cartelería de sala: Alberto Rossini.

Laboratorio de Cine, 05982:03, Dirección Ferruccio Mussitelli y asistente Julieta Keldjián

2008-07-24T10:29:00.008-03:00

Durante el rodaje con Ruben Guzman

Beto Quintans y Ferruccio Mussitelli.

Beto Quintans . Toma con la cámara 16 mm

Revelado con Ferruccio y Julieta

05982:03 MAXI CONTENTI RETROSPECTIVA DE CORTOS Y FRANNY GLASS EN LA RADIO DESDE EL FAC CON INVITADOS

2008-07-16T20:33:00.003-03:00

de Maxi Contenti

Angela Lopez Curadora

de 05982:03

Maxi Contenti, Bruno Contenti, Angela, Lopez Lage y Majo emocionada :)

Santiago Velazco y Agustín Sabella

Brunos

Javier Abreu y Dalila

2 Contenti

Ana Conti

Maxi

público escuchando a Franny Glass (Vicky;)

Riki y Franca Musso

Angela y Teresa Puppo

HOMEMOVIE SELECCION LIC. JULIETA KELDJIAN DOCENTE Y ESPECIALISTA EN ARCHIVOS AUDIOVISUALES

2008-07-14T15:58:00.003-03:00

INSPECCION FISICA DEL MATERIAL A CARGO DE JORGE ESPINA PROYECCIONISTA DEL ARCHIVO NACIONAL DE LA IMAGEN